Familie kann man sich nicht aussuchen. Das gilt auch für das daran geknüpfte Gefühlsgeflecht, das ebenso elementar wie prägend ist und das sich im Laufe eines Lebens wandelt. Die Künstlerinnen und Künstler der Ausstellung „Close to you“ richten in den gezeigten Werken und Werkgruppen ihren Blick auf grundlegende soziale Beziehungen. Im Fokus steht dabei die künstlerische Auseinandersetzung mit den eigenen Familienmitgliedern und damit verbundenen Aspekten wie Zuneigung, Empathie, Nähe und Distanz, Anwesenheit und Abwesenheit.

 Die Grenzen zwischen Intimität und Privatheit sind fließend, wenn derart nahestehende Personen zum Gegenstand der Kunst werden. Denn die klassische Situation des „Modellstehens“, bei der professionelle Distanz gewahrt werden kann, greift nur bedingt. Das gegenseitige Vertrauen ist hierbei unabdingbar, und es führt im selben Moment zu einer Gratwanderung, die in allen Arbeiten mitschwingt. (Pressetext: Kunst Galerie Fürth)

„Quadratur der Ellipse“ 2024

Im Rahmen einer Kunst-am-Bau Maßnahme am U-Bahnhof Muggenhof in Nürnberg habe ich eine elliptische Linienzeichnung stark vergrößert in ein 10 cm x 10 cm Fliesenraster übertragen. Genau wie in einem digitalen, aus Pixeln bestehenden Bildaufbau werden die glatten Kurven der Linienverläufe in treppenartige Stufen unterteilt, die zusätzliche Strukturen entstehen lassen. Aus der Entfernung oder der Schrägsicht auf die Wände werden die glatten Linienverläufe wahrnehmbar. Da es sich um eine fotographische und keine rein graphische Umsetzung der Ursprungszeichnung handelt, entstehen zusätzliche Verläufe von Grauwerten. Das daraus resultierende Wechselspiel von Schärfe-und Unschärfepartien, welches dem in Tonwerte getrenntem Mosaikprinzip entspricht, verleiht der Lineatur eine besondere Plastizität.

Die besondere, erhabene und brückenähnliche Position des U-Bahnhofs Muggenhof macht in den Fahrtrichtungen entlang der Gleise Ausblicke in die weite Stadtlandschaft möglich. Diese Gelegenheiten zur Fernsicht werden in den Linienzeichnungen aufgegriffen und hier in ein dynamisches, illusionistisch räumliches System überführt. Auch bei diesem Teilaspekt sind Schrägsichten auf die Wand von Bedeutung, da die illusionistische Wirkung mit jeder Veränderung des Standorts variiert und zu spielerischen Ortswechseln einlädt. Die perspektivische Wirkung der elliptischen Grundform schafft hierfür die Basis.

Gerhard Mayer (Nürnberg, 21. 04. 2024)

Das Duo re:cord mit Marie Erndl und Miria Sailer ist ein musikalisch- performatives Duo, welches Klangsprachen aus über acht Jahrhunderten Musik- und Kunstgeschichte spricht und verbindet. 2017 als Gewinnerinnen aus dem internationalen Konzertdramaturgie-Wettbewerb HUGO bei den Montforter Zwischentönen hervorgegangen, erzeugen die beiden Musikerinnen eine Fülle faszinierender Klangsynthesen von Violine und Blockflöte.

Ergänzt wird das Duo durch Elisa Merkens. Die Künstlerin studierte bis 2016 Schauspiel an der Musik und Kunst Universität in Wien. Seit 2016 ist sie festes Ensemblemitglied des Theater Pfütze in Nürnberg.

Impulsgebend für den Titel „Home to go“ ist die Schildkröten-Figur in verschiedenen literarischen und kulturellen Aspekten; nicht zuletzt auch in einigen griechischen Mythen und im Werk Michael Endes. Sinnbildlich steht die Schildkröte für Urvertrauen, Heimatverbundenheit und Aufmerksamkeit. Eine Auseinandersetzung mit und die Fragestellung nach diesen Aspekten formten das Programm, welches neben musikalischen Beiträgen auch gesprochenes Wort und Literatur beinhaltet.

Das Sinnbild von Urvertrauen, Heimatverbundenheit und Aufmerksamkeit bilden in Michael Schrattenthalers bildhauerischen Schaffen seit je die inhaltliche Basis.

Olaf Unverzart: ARMIN

Armin hat es sich zur Lebensaufgabe gemacht in jedem Land der Welt den höchsten Berg zu besteigen. Gerade ist ihm sein 100ter Gipfel in der Elfenbeinküste gelungen. So weit nicht sehr ungewöhnlich, aber Armin ist anders. Er ist nicht der typische Bergsteiger. Vielleicht ist er überhaupt kein Bergsteiger.

Armin ist eher ein Sammler der genau und gewissenhaft die Berge wie Zahlen in seine eigene Ordnung bringt. Dafür ordnet er sein ganzes Leben unter.

Das neue Buch des Fotografen und Künstlers Olaf Unverzart, kann als ein persönliches Portraits eines aussergewöhnlichen Menschen gelesen werden. Seine Fotografien, aufgeteilt in zwei Blöcken, ergänzen die umfangreichen Original Reiseberichte des Weltenbummlers Armin. Zusätzlich sind händisch Fotoabzüge einiger Gipfelbilder ins Buch geklebt.

Unverzart hat bereits mehrere Bücher veröffentlicht und damit einige Preise und Auszeichnungen gewonnen. Auch in dieser Publikation, gestaltet von SUOLOCCO, merkt man seine Begeisterung und Liebe fürs gedruckte Buch auf unterschiedlichen Ebenen.

Er überlässt als Ideengeber und staunender Beobachter in diesem Projekt Armin die Bühne, bleibt sich aber künstlerisch in seiner Handschrift und Bildsprache treu.
Der Autor Tobias Haberl (SZ Magazin) nennt es so:
„Armin vergisst nie, wo er war, nie wo er herkommt, und nie, wo er hin will. Wer kann das schon von sich behaupten?“

In seinen Aquarellzeichnungen spielt Andreas Oehlert mit einer irritierenden innerbildlichen Räumlichkeit. In der neuen Serie »Naht«, die in dieser Ausstellung erstmalig gezeigt wird, erweitert Oehlert seine Mittel, um räumliche Tiefenwirkung in der Zeichnung zu erreichen: Er bezieht nun ganz real die dritte Dimension ein. Der Papiergrund wird durch Schneiden und Formen ausdrücklich zum bildhauerischen Material und verknüpft sich mit Linienführung und Farbgebung der Zeichnungen zu vielstimmigen räumlichen Korrespondenzen im Wechselspiel von Tiefenillusion und wirklicher Tiefe. Mit einer den ganzen Ausstellungsraum einnehmenden Bodenarbeit bettet der Künstler die an den Wänden präsentierten Zeichnungsobjekte in eine begehbare Gesamtinstallation ein. (Angela Wenzel, November 2023)

Andreas Oehlert (*1966 in Fürth, lebt und arbeitet in Fürth und Nürnberg)

Ob mit seinen Zeichnungen, Fotoarbeiten, Installationen oder Skulpturen: Die Werke von Andreas Oehlert entwickeln stets eine beeindruckende Räumlichkeit und ermöglichen über­raschende Raumerfahrungen. Seine für die Ausstellung Who’s Afraid of Stardust? konzipierte Installation Ohne Titel (h.c., Version B) (2023) thematisiert ein Farbkodierungssystem, welches sich in den 1960er-Jahren in den USA entwickelte. Der „Hanky Code“ ermöglicht es Eingeweihten, durch das Tragen verschiedenfarbiger Tücher in den Gesäßtaschen ihrer Hosen über (sexuelle) Vorlieben, Wünsche und Rollen zu informieren oder diese zu deuten.

Wir tauchen in eine mysteriöse Welt ein: Aus Jeansstoff genähte Säulen strukturieren den Raum und tragen eine raumfüllende Kassettendecke gleicher Materialität. Durch einen umlaufenden Spalt fällt diffuse Helligkeit und erzeugt eine Lichtatmosphäre, die an die transitorische Tageszeit der Dämmerung erinnert. Auf jede der Säulen ist eine Hosentasche genäht, in die ein farbiges Tuch gesteckt wurde. Dies führt zu einer Individualisierung wie Personalisierung der Säulen, die auch durch ihr weiches Füllmaterial einen organischen Charakter gewinnen. Die Wände sind in einem satten Grün gestrichen und zeigen drei Foto­grafien aus der Serie Stagebeauty: Ein Fuchs, eine Eule und ein Schwan aus Porzellan sind in rätselhaften, erotisch codierten Situationen zu sehen. Mit Ohne Titel (h.c., Version B) schafft Andreas Oehlert einen Raum, der vielfältige Assoziationen weckt: vom verwunschenen Märchenwald bis zu einer Cruising Area, in der Menschen nach Partner*innen für sexuelle Begegnungen suchen. Unsere physische Präsenz wird zu einem essentiellen Bestandteil der Arbeit, da dieser atmosphärische Säulenwald auch uns durch den Raum „cruisen“ lässt.

Dr. Harriet Zilch, Leiterin der Kunsthalle Nürnberg

Thilo Westermann  (1980 geb. in Weiden/Opf., lebt und arbeitet in Berlin)

Dass weniger mehr sein kann, gehört zu den wichtigsten Lehren der Moderne. Die Künstlerin Susanne Roth (geb. 1973 in Schweinfurt, lebt und arbeitet in Fürth) beweist dies immer aufs Neue in ihren Blättern und Objekten. Auf das ein­zu­ge­hen, was ist, und nicht einfach zu setzen, was sein soll, das ist das Geheimnis ihrer Kunst. Nur so können Minimalismus und Reichtum in eins fallen.

Susanne Roth fühlt sich ein in alte Papiere und Kartons, spürt ihrer Geschichte nach und denkt sie fort. Immer ist die künstlerische Handlung vom Material inspiriert, was den Einfluss von Erfahrungen und Bildern, die die Künstlerin in der Natur sammelt, nicht ausschließt. Der einer Werkgruppe entlehnte Aus­stel­lungs­titel deutet diese Dimension an. Ihre Bilder sind solche Landschaften, die auch ohne Berg aus­kom­men.

Mit ihrer Pracht und Vielfalt ziehen Blumen uns seit jeher in ihren Bann. Zudem besitzen sie große Symbolkraft – sei es in der Mythologie, Religion, Kunst oder Politik. In früheren Jahrhunderten waren Blumen begehrte Statussymbole, heute werden sie als Massenprodukt global gehandelt. Aktuell rückt die Blume als ebenso fragiler wie unverzichtbarer Bestandteil des weltweiten Ökosystems in den Fokus. Flowers Forever bietet mit Objekten aus Kunst, Design, Mode und Naturwissenschaft einen faszinierenden, aufwendig inszenierten Rundgang durch die Kulturgeschichte der Blume vom Altertum bis heute.

Die Präsentation versammelt rund 170 Werke aus internationalen Sammlungen sowie eigens für die Ausstellung entstandene Installationen. Bedeutende Positionen der Kunst- und Designgeschichte treten dabei mit neu zu entdeckenden künstlerischen Ansätzen in einen fruchtbaren Dialog. Die Ausstellung zeigt Werke von Jan Brueghel dem Jüngeren, Abraham Mignon, Barbara Regina Dietzsch, Lawrence Alma-Tadema, Hannah Höch, Andreas Gursky, Miguel Chevalier, Ann Carrington, Patricia Kaersenhout, Kehinde Wiley, DRIFT und vielen weiteren Künstler:innen. Sie alle machen die facettenreiche Kulturgeschichte der Blumen auf eindrückliche Weise erlebbar.

Pressetext Kunsthalle München, Januar 2023

Nürnbergs größte Ateliergemeinschaft lädt ein zum dritten Atelierwochenende, dem TillyOpen3 in Nürnbergs Südwesten.
Los geht es am Samstag um 15.30 Uhr mit offizieller Begrüßung und Ausstellungseröffnung von Philipp Selig in der Galerie reception. Anschließend laden die rund 50 ansässigen Künstlerinnen und Künstler bis in den Abend hinein auf Entdeckungstour in ihre Ateliers ein. Sonntag ist von 14 - 18 Uhr geöffnet.

Gezeigt wird das dortige künstlerische Spektrum: Malerei, Bildhauerei, Zeichnung, Fotografie, Design, Architektur, Konzeptkunst, u. v. m.
Geballte Produktivität auf 3 Etagen und 2000m² Atelierfläche, inklusive Showroom, Werkstätten und Außenareal.

Freuen Sie sich auf ein schönes, zeitgenössisches Kunstwochenende mit Getränkeausschank, frischer Pizza von Antonio, Nürnberger Bratwürsten auf Kimchi, Kaffee und Kuchen.

Teilnehmende KünsterInnen:
Ruth Bergmann, Assad Bina-Kahi, Daniel Bischoff, Anita Blagoi, Karin Blum, Anja Boretzki, Marina Budin, Christina Chirulescu, Adam Cmiel, Steven Emmanuel, Stefan Endres, Maryam Fahimi, Johannes Felder, Marcus Frimel, Franziska Fritzsching, Axel Gercke, Tomoe Hikita, Jurkiewitsch Julius, Doris Kabutke, Tom Karg, Harald Kienle, Sejin Kim, Eleonora Kirchgessner, Eunhui Lee, Chang Min Lee, Young-Hun Lee, Linda Männel, Daniel Müller, Changhee Nam, Christine Nikol, Andreas Oehlert, Christian Otto, René Radomsky, Ingrid Riedl, Agnes Ritli, Jürgen Rosmarion, Dashdemed Sampil, Kerstin Schmitt-Trump, Dominik Schöll, Robert Scholz, Josefa Schundau, Stephan Schwarzmann, Manfred Sonntag, Gerhard Steinle, Ingo Zech, Fred Ziegler

Die Blockflötistin Marie Erndl nimmt Sie mit in die farbenreiche Welt der modernen Musik. Mit ihrem Instrument interpretiert die Künstlerin an diesem Abend moderne und zeitgenössische Kompositionen und lotet dabei die vielfältigen klanglichen Möglichkeiten der Blockflöte aus. 

Wir freuen uns auf einen facettenreichen Zusammenklang von Daniel Bischoffs Malereien mit der musikalischen Aufführung von Marie Erndl.

Durch das Universum fliegt ein sehr eigenmächtiges Spaceshuttle, das seit Generationen von Tigern bewohnt wird. Die Tiger wissen nicht, was den Kurs des Spaceshuttles bestimmt. Aber es fehlt ihnen an nichts. Sie finden luxuriöse Lebensbedingungen vor und sind umgeben von Rätseln höherer Ordnung: Wie sollen sie mit ihrer Ideenlosigkeit umgehen? Welche Entscheidungen sollen sie treffen? Und vor allem: Warum sondert das Spaceshuttle scheinbar willkürlich Teile seiner selbst ab?

In diesem Science-Fiction-Märchen von Joshua Groß, der zuletzt mit seinem Roman Prana Extrem (nominiert für den Preis der Leipziger Buchmesse 2023) für Aufsehen sorgte, überlagern sich Dekadenz und Gefahr, Landschaften und Träume, Verluste und mögliche Zukünfte. Mittendrin schwebt die singende Tigerin Raja mit ihrem Bodyguard Gongor von Auftritt zu Auftritt und von Abenteuer zu Abenteuer. Die beiden lernen andere Tiger kennen, sie spielen Curling, essen in vollautomatisierten Garküchen, haben Kämpfe zu bestehen und fiebern hin auf das Ereignis der nächsten Neon-Nova.

In Sebastian Trögers Tusche-Malereien wird diese Atmosphäre eingefangen und weitergeführt: universumskaltes Blau ist der Grundton allerlei abstrakter wie konkreter Versuche, den Fluktuationen der literarischen Fantasie nachzuspüren. Tiger, Torbögen, Galaxien, geometrische Figuren und interstellare Expressionen. Kunst statt Verzweiflung. Alles formt sich, alles transformiert sich, alles löst sich auf.

Ein Science-Fiction-Märchen über Weltraumtiger, Verwerfungszonen und die Veränderungen des Lebens. Joshua Groß und Sebastian Tröger berichten von einer fernen Welt, die sich frappierend aus der unseren speist.

„Thilo Westermann Migrations”

Ausgangspunkt für das konzeptuelle Künstlerbuch „Migrations“ bildet Thilo Westermanns langjährige Auseinandersetzung mit dem interkulturellen Austausch zwischen China und westlichen Ländern. Der Publikation ist ein „letter to the reader“ vorgeblendet, in dem der Künstler seine Beziehung zu den Autoren der einzelnen Textbeiträge erläutert. Die nachfolgend abgedruckten Beiträge entstanden im Umfeld der Diskussionen, die Westermann während seiner Forschungs- und Stipendienaufenthalte mit international renommierten Fachleuten der Botanik, chinesischen wie euro-amerikanischen Kunstgeschichte, Kunsttheorie und Volkskunde führte und die somit das Wandern von Formen und Inhalten über die Epochen- und Landesgrenzen, aber auch über die Disziplineinteilungen in freie und angewandten Künste sowie Botanik und globalen Welthandel hinweg lebhaft vor Augen führen.

Die Werke von Anne Sterzbach und Andreas Oehlert treffen in der Ausstellung nicht allein im Sinne eines
künstlerischen Dialogs aufeinander, sie gehen vielmehr ein wunderbar lebendiges Zusammenspiel ein. Die Linie ist
bei ihnen im wahrsten Sinne des Wortes die verbindende Komponente, deren präzise Setzung im Bildraum (Andreas
Oehlert) wie im realen Raum (Anne Sterzbach) die Facetten zwischen Spannung und Entspanntheit, zwischen Ordnung
und Chaos, zwischen Anfang und Ende fein auslotet. Susann Scholl, Kunsthistorikerin

Andreas Oehlert und Caroline Achaintre kennen sich aus Fürth, wo der Künstler 1966 geboren wurde und die Künstlerin Caroline Achaintre (geb. 1969 in Toulouse) ihre Kindheit und Jugendjahre verbracht hatte. Heute lebt und arbeitet die Deutsch-Französin in London. Sie betont immer wieder, dass es ihr Kollege Andreas Oehlert war, der sie in der Metropolregion Nürnberg durch Ausstellungseinladungen zu Gruppenpräsentationen stark unterstützt und gefördert hat.

Andreas Oehlert, der von 1990 bis 1997 an der Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg studiert hat und 1996 zum Meisterschüler von Prof. Rolf-Gunter Dienst ernannt wurde, geht nach dem Ende seiner Ausbildung für ein Jahr ans Chelsea College of Art and Design London, wo Caroline Achaintre ebenfalls seit 1998 studierte. Seit vielen Jahren verbindet die beiden Kunstschaffenden eine Künstlerfreundschaft.

Seit Mitte Februar zeigt das Museum Lothar Fischer in Neumarkt i.d.OPf. eine retrospektiv angelegte Werkschau, die Caroline Achaintre ihr erstes „Heimspiel“ nennt. Parallel zeigt das Neue Museum Nürnberg, wo Andreas Oehlert bereits 2010 seine erste Einzelschau hatte, einen Raum mit aktuellen Arbeiten der Künstlerin, die seit 2018 eine Professur für Textile Kunst an der Burg Giebichenstein Kunsthochschule in Halle inne hat. Präsentiert wird in Nürnberg unter anderem die große, allansichtige Tapisserie „Roadrunner“ von 2022, die den Raum wesentlich bestimmt. Die Künstlerin, die sich immer als Bildhauerin sieht, arbeitet mit verschiedenen Medien wie Tapisserie, Zeichnung und Keramik und überführt die traditionellen Techniken in die Gegenwart. Dabei erkundet sie die Grenzen zwischen Gegenständlichkeit und Abstraktion. In Neumarkt sind neben Aquarellen und Keramiken vier großformatige Wandbehänge zu sehen, die durch ihre sinnliche Präsenz überzeugen.

In einem Ausstellungsrundgang und Gespräch nähern sich Andreas Oehlert und Dr. Pia Dornacher, die die Ausstellung im Museum Lothar Fisher kuratiert hat, dem vielgestaltigen Schaffen von Caroline Achaintre an.

Sebastian Trögers künstlerisches Werk zeichnet sich vor allem durch das Wechselspiel zwischen praktischem und konzeptuellem Arbeiten aus. In historisch-kritischer Reflexion entstehen so Arbeiten, die in ironisch gebrochener Weise mit den Mitteln der Malerei und medial übersetzt Fragen an die Gegenwart stellen. Eine besondere Bedeutung kommt dabei den Werktiteln und der Kombination aus Bild, Objekt, Sound und Text zu. Zudem stellen das Präsentieren und Ausstellen wichtige Felder seiner künstlerischen Praxis und Forschung dar. Einblicke in den Kunstmarkt und die Auseinandersetzung mit der Geschichte der Kunst können als Ausgangspunkte für künstlerisches Arbeiten verstanden werden.

Sebastian Tröger (*1986) hat zuletzt die Werkstatt für Malerei (Material, Technik und Kontext) an der AdBK Nürnberg geleitet und war dort Lehrbeauftragter für Medienkunst Sound. Zuvor war er fünf Jahre wissenschaftlicher Mitarbeiter am Dokumentationszentrum Reichsparteitagsgelände, Museen der Stadt Nürnberg. Sein Studium der freien Kunst und Kunstpädagogik an AdBK Nürnberg und der HfG Karlsruhe/AdBK Karlsruhe schloss er als Meisterschüler bei Prof. Michael Munding an der AdBK Nürnberg ab. Neben seiner künstlerischen Tätigkeit arbeitete er mehrere Jahre als Kunstlehrer an verschiedenen Gymnasien.

Sebastian Trögers Werke wurden bereits in zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland präsentiert, darunter Ludwig Museum Budapest, Museum Kunstpalast Düsseldorf, ZKM Karlsruhe, Neues Museum Nürnberg, Staatsgalerie Stuttgart, Museum Würth Schwäbisch Hall, Bethanien Berlin, das weisse haus Wien, Stadtgalerie Kiel, Villa Dessauer Bamberg und die Galerie der Künstler*innen München. Seine Arbeiten sind in international bedeutsamen Sammlungen vertreten, u.a. Bayerische Staatsgemäldesammlungen und Sammlung Würth, und er wurde mehrfach für sein künstlerisches Werk ausgezeichnet, u.a. Bayerischer Kunstförderpreis (2019), Volker-Hinniger-Kunstpreis Bamberg (2017) und Kulturpreis der Stadt Nürnberg (2016).

„Wir gebrauchen die Wörter, doch wir sollten sie am Besten in dem Bewusstsein gebrauchen, dass sie wie Behältnisse sind, die bei jeder Gelegenheit überfließen oder auseinanderbrechen können. Es liegt immer etwas jenseits von ihnen.“ – Was die Kulturhistorikerin Rebecca Solnit so treffend für den Umgang mit Sprache und Literatur beschreibt, kennzeichnet im übertragenden Sinne einen wesentlichen Aspekt des künstlerischen Vorgehens von Gisela Kleinlein. So ist es für ihr Schaffen zentral, schnell und reflexhaft abzurufende Festlegungen, die sich aus dem Repertoire unserer Erfahrungen und Erlebnisse speisen, ad absurdum zu führen. Ihr liegt daran, eine assoziative Vielfalt zuzulassen; auch wenn diese unerprobt, eventuell gar Angst einflößend oder zumindest verunsichernd ist.

Kleinlein beschäftigt sich mit Transformationsprozessen. Sie sammelt und erforscht Dinge und Materialien unterschiedlichster Provenienz und versucht, die ihnen innewohnenden Möglichkeiten aufzuspüren, sie sichtbar zu machen, umzudeuten, sie zu verändern und damit im künstlerischen Prozess „nutzbar“ zu machen. Fundstücke aus der Natur, technisches Gerät, Formteile des alltäglichen Lebens, aber auch Arbeiten vergangener Werkphasen werden unter diesen Gesichtspunkten regelrecht „auseinandergenommen“. Schließlich tauchen sie - in Einzelteile zerlegt, zersägt, ergänzt, kombiniert - in neuen Form- und Inhaltsbezügen wieder auf. Es wird klar, dass durch diese Vorgehensweise letztendlich nichts dauerhaft festgeschrieben ist; nichts bleibt für immer – Aggregatzustände des Augenblicks.

Film und Foto verhalten sich zueinander wie Feuer und Eis, schrieb einst Peter Wollen: „Film ist ganz und gar Licht und Schatten, unablässige Bewegung, Übergang, Flackern, eine Quelle Bachelardscher Träumerei wie die Flammen im Kamin. Die Fotografie ist bewegungslos und eingefroren, sie hat die tieftemperierende Kraft, Objekte durch die Zeit hindurch ohne Zerfall zu bewahren.“ Tatsächlich aber bewahrt das Foto nur das Abbild, niemals das Objekt selbst. „Das Feuer wird das Eis schmelzen, aber dann wird das geschmolzene Eis das Feuer löschen (wie in Superman III).“ Hier haben wir ein poetisches Bild, um zu beschreiben, was passiert, wenn das flackernde Medium das bewegungslos eingefrorene Medium in sich aufnimmt – oder ist es umgekehrt? Sie reagieren miteinander, gehen zunächst in Dampf über, denn es geht keine Energie verloren. Sie verlassen also die definierten Aggregatzustände, lassen sie verschwimmen, schaffen Übergänge, betreiben Schwellenkunde. Gemeinsam produzieren sie ein kleines, aber wahrnehmbares Beben, das unsere gewohnte Form der Erkenntnis ins Schwanken bringt.

Der Fotofilm FIASKO (2010, 32 min), den Janet Riedel in Zusammenarbeit mit Katja Pratschke und Gusztáv Hámos realisierte, basiert auf der gleichnamigen literarischen Vorlage des ungarischen Autors Imre Kertész. Er beschreibt in seinem Roman den absurden Versuch eines Neubeginns – nach Auschwitz, nach Buchenwald – im stalinistischen Budapest, so wie er es selbst erlebt hat. FIASKO ist die visuelle Adaption von Kertész eigener literarischen Methode: bruchstückhafte Indizien, Gegenwartsfragmente und Déjà-vus fügen sich zu einem Gesamtbild.

Riedels persönliche Begegnung mit dem Literaturnobelpreisträger Imre Kertész war der Beginn für die umfassende Beschäftigung mit seinem Werk, dessen Lebensthema der Totalitarismus und die unendliche Biegsamkeit des Menschen ist.

Von 2008 bis 2010 entstanden ca. 800 farbige Mittelformatfotografien. Die sequenziellen Fotografien sind in der Gegenwart an Originalschauplätzen aufgenommen. In ihnen zeichnen sich in Überlagerungen, ambivalenten Gleichzeitigkeiten und Verdopplungen deutlich die Spuren der vergangenen Gesellschaftssysteme ab. Literarischer Text und Fotografien behalten im Fotofilm ihre Eigenständigkeit, sie treten miteinander in Dialog und lassen Raum für Assoziationen.

Pressetext – After The Butcher, Januar 2023

”Wie sich ein Wort im Echo wiederholend vervielfältigt, tauchen einzelne Bildelemente oder ganze Motive in
der Ausstellung mehrfach auf. Über die Grenzen des Bildes, der Geografie und der Epocheneinteilungen hinweg
entspannt sich so ein Geflecht hybrider Bilder.” Text Kunstverein KUNSTRAUM Westpfalz Kaiserslautern

Das Neue Museum Nürnberg hat den Maler Sebastian Tröger (geb. 1986) eingeladen, die sechs Fassadenräume zum Klarissenplatz mit einer neuen Arbeit zu bespielen. Ab Freitag, den 7. Oktober 2022 ist das Werk „Am Hebel der Welt”, bestehend aus sechs mehrteiligen Szenenbildern auf über zwei Etagen und etwa 500 m2, zu sehen. Der Nürnberger malt die figurenreiche Erzählung mit schwarzer Tusche auf großen Leinenbahnen, locker auf gespannten Schnüren gehängt. In den damit quer unterteilten Räumen entsteht ein theatralischer Bühneneffekt, der durch freistehende Skulpturen weiter pointiert wird.

Zur Eröffnung am Donnerstag, den 6. Oktober 2022 um 19 Uhr gibt der in Nürnberg lebende Autor Joshua Groß eine thematische Hinführung und wird sich dem Werk Trögers auf poetisch-literarische Weise nähern.

(Auszug aus dem Pressetext des Neuen Museum Nürnberg, Sept. 2022)

Olaf Unverzart – Walking Distance

Fünf Kontinente, drei Jahrzehnte: Olaf Unverzart zeigt uns mit Walking Distance seine Interpretation eines Reisetagebuchs. Jenseits von Sehenswürdigkeiten, bekannten Orten mit vermeintlich landestypischer Folklore, öffnet sein Fotobuch den Blick für die Dinge und Lebewesen dazwischen – ein Dazwischen, welches sich vornehmlich auf der Straße abspielt.

Die Kraft der Bilder liegt in der Stille und Intimität der Szenen. Unverzarts Fotografien haben nichts Schaulustiges, geben nicht vor, wesentliche Einsichten und Wahrheiten über Orte oder deren Bewohner:innen ans Licht zu bringen, sondern präsentieren sich als flüchtige Impressionen. Dass die einzelnen Fotografien in ihrer Schwarz-Weiß-Komposition und körnigen Textur eine nicht lokalisierbare, eigentümlich zeitentrückte Qualität aufweisen, verleiht ihnen geradezu universellen Charakter.

Inhaltlich spielt Unverzart mit den unterschiedlichsten Arten des Übergangs. Wir sehen Autos, Schienen und Straßen ebenso wie Passant:innen oder Fußgänger:innen. Szenen von Veraltetem und obsolet Gewordenem verweisen auf die Suche des Fotografen nach verlorener Zeit und spielen wiederholt auf die einschneidenden kulturellen, gesellschaftlichen und technologischen Veränderungen der letzten drei Jahrzehnte an.

Text: Florian Grosser

Das fotografische Kunstprojekt „Rundkurs“ von Olaf Unverzart richtet den Blick auf die 22,8 km lange Strecke des olympischen Straßenradrennen mit Start und Ziel in Grünwald, die 8x durchfahren werden musste. Seine Bilder entstehen an und um der damaligen Strecke, die noch existiert. Sie fokussieren sich auf etwas Alltägliches und Unspektakuläres. Die Verbindung zum Wettbewerb von damals, mit tausenden Zuschauern, Helikoptern, Presse, Mannschaftsfahrzeugen und 184 Startern findet imaginär statt. Was zu sehen sein wird stammt aus der Gegenwart mit einem subjektiv, künstlerischen Blick, der das Ereignis von 1972 als Grundlage nimmt, sich dem Thema zu nähern. Als Ergebnis wird eine gedruckte Zeitungsbroschur mit seinen Fotografien in Kombination mit Archivmaterial aus dem Rennen von 1972 entstehen. In drei in München typischen Zeitungskästen entlang der Strecke (Kloster Schäftlarn – Buchenhain – Grünwalder Brücke) wird diese Zeitungsbroschur zur kostenfreien Mitnahme ausliegen.

Olaf Unverzart, geboren 1972 Waldmünchen, lebt und arbeitet in München und der Oberpfalz

Save the Date:
26. November 2022, 18.30 Uhr
Buchpräsentation und Vortrag ”Walking Distance”
Hrsg. Kettler Verlag, 2022

Der Fürther Künstler Oliver Boberg bespielt ab 22. Juli das Display der kunst galerie fürth. Er wählt für diese Raumsituation, die sich in der Fensterfront der Galerie bewusst an die Vorbeigehenden und -fahrenden richtet, eine Arbeit aus seiner Serie der „Wort-Orte“, die seit 2018 entsteht. Für diese beschreibt der Künstler eine weiße Fläche mit einem einzigen Begriff, gut lesbar, mittig platziert, geschrieben in Helvetica. „Meer“ ist hier zu lesen, während man sich weit weg von diesem mitten im Herzen Fürths befindet.

Für Boberg suggerieren die Textbilder einen Ort, den man nur in der eigenen Vorstellung sieht, ausgelöst durch einen einzelnen Begriff. Die Serie spielt mit dem zentralen Gedanken von Bobergs künstlerischer Arbeit: der subjektiven Konstruktion von Wirklichkeit. Hier stellt der Künstler uns das Meer vor Augen. Denn an der vielbefahrenen Straße, an der die kunst galerie fürth liegt, könnte uns ein wenig Urlaubsvision ganz guttun. Statt der Sicht auf ein Seestück, wie es die Kunstgeschichte als eigene Bildgattung kennt, sind wir herausgefordert, unser eigenes Bild im Kopf zu malen. Stört es uns, dass diese Freiheit versprechende Vision scheinbar hinter dem Gitter der Fensterunterteilung verschwindet?

Oliver Boberg (geb. 1965 in Herten) studierte zunächst Kunstgeschichte an der Universität Würzburg und anschließend Malerei an der Akademie der Bildenden Künste Nürnberg. 2009 wurde er mit dem Fürther Kulturpreis geehrt. In seinen Fotografien, Videos und Installationen beschäftigt sich der Künstler häufig mit Orten, die zwar Nebenschauplätze sind, aber doch für jede/n als stereotype urbane Elemente vertraut.

Unter dem Titel „array” platziert Jasmin Schmidt Papierarbeiten in einem Regalsystem und konstruiert so ein sensibles Display, das Gegenwärtiges und Vergangenes an einem Ort kombiniert. Malerei, die Schmidt sukzessive in einem Prozess von Farbauftrag und Auswaschung entwickelt, macht die Gleichzeitigkeit der Dinge sichtbar. In Verbindung damit kann das in den 1960/70er Jahren häufig verwendete „Royal System“ des Designers Poul Cadovius gleichsam als Präsentationsfläche, Verweis auf geschichtliche Narrative sowie Reflexion der zeitgenössischen Praxis des Zeigens gelesen werden. Diese für Schmidt typische, präzise Verwendung von Referenzen auf unterschiedliche Moden, Designelemente und Fundstücke anderer Generationen, führt dazu, dass sich Zeit in ihren Arbeiten sichtbar ineinanderschiebt, anstatt sich zu überlagern.

Herzliche Einladung zur Eröffnung der kommenden Kabinettausstellung des Vitromusée Romont, die vom 6. März bis zum 25. September 2022 in der Salle des Baillis präsentiert wird. Sie ist dem Künstler und Kunsthistoriker Thilo Westermann (*1980) gewidmet, der durch seine Hinterglasbilder in Schwarz-Weiss bekannt wurde, die er scannen, sechsfach vergrößern und ein einziges Mal als Unikatdruck drucken lässt. Die Motive seiner Bilder werden anschließend mittels Fotomontage in erweiterte Kontexte überführt. Dieses dreistufige Verfahren beruht auf Überlegungen zu den Materialeigenschaften von Glas (Spiegelung, Transparenz, Zerbrechlichkeit), der Wahrnehmung von Bildern und ihrer Reproduzierbarkeit im digitalen Zeitalter.

Die Vernissage beginnt in der Salle Saint-Luc mit einem Vortrag des Künstlers auf Deutsch und Französisch. Thilo Westermann wird seine Technik vorstellen und die für die Ausstellung ausgewählten Werke kommentieren.

Es wird gebeten, das Sie Ihre Teilnahme bis zum 28. Februar 2022 per Telefon unter 0041 - 026 652 18 34 oder E-Mail an info@vitromusee.ch zu bestätigen

Jasmin Schmidt, Alumna der Universität Bayreuth gewann im Frühjahr 2021 den Wettbewerb „Kunst am Bau", ausgelobt vom Staatlichen Bauamt Bayreuth, für das Gebäude Polymer Nanostructures (PNS) auf dem Campus der Universtität Bayreuth.

Das Staatliche Bauamt verfolgt mit dem Kunstwettbewerb zwei Ziele: Junge Künstler*innen zu  fördern und Kunst einem breiten Publikum zugänglich zu machen. Im Fokus steht dabei immer zeitgenössische Kunst, die inspirieren und zum Diskurs einladen soll. Der Siegerentwurf „perspective in surface” der Künstlerin Jasmin Schmidt ist ab sofort im Foyer des PNS-Gebäudes zu sehen.

Der UBTaktuell-Redaktion stand Jasmin Schmidt für ein Interview zur Verfügung:

Wie war Ihr persönlicher Weg zur Kunst?
Jasmin Schmidt: Über Umwege: Ich habe mich schon immer für Kunst interessiert, aber erst mit 27 Jahren Malerei studiert. Davor habe ich mich mit zeitgenössischer bildender Kunst des afrikanischen Kontinents auseinandergesetzt und glücklicherweise wurde ich während eines Studienaufenthalts bei einer Künstlerin in Südafrika motiviert, von der Rolle der Betrachterin zur Produzentin zu wechseln und ein Studium an einer Kunstakademie aufzunehmen.

Wie würden sie Ihre künstlerische Praxis beschreiben?
Ich betrachte mich als Malerin, meine Arbeit baut auf den Diskursen der Bildentstehung durch Farbe auf Bildträger der letzten Jahrhunderte auf. Dabei begreife ich Bilder als „neue Orte“. Diese Bild-Orte entstehen im Bild und können nur darin sichtbar sein. Ich beschreibe sie nicht, ich zeige sie nicht, sondern ich helfe ihnen, zu entstehen.

Was inspiriert Sie für Ihre Arbeit im Allgemeinen?
Zum einen arbeite ich gerne mit Fundstücken, die meiner Malerei einen Impuls geben, im fertigen Gemälde aber oftmals nicht mehr zu erkennen sind. Das können kleinere Gegenstände, Farben, aber auch Begriffe oder Klänge sein. Zum anderen gehe ich von dem Bildträger – dem Malgrund – aus, der unterschiedliche stoffliche Qualitäten besitzt und damit spezifische Eigenschaften ausbildet, auf die ich reagieren kann. Die Verbindung dieser beiden Aspekte und ein gleichermaßen forschendes wie abwartendes Beobachten führt zu einem andauernden Inspirationsvorgang, bis eine Arbeit fertiggestellt ist.

Nun ist Ihre Arbeit „perspective in surface” auf dem Campus der UBT sichtbar – im Gebäude für Polymer Nanostructures (PNS). Was ist die Geschichte dahinter?
Die Arbeit „perspective in surface” habe ich eigens für das Gebäude und seinen Forschungsschwerpunkt entwickelt. Ich habe mich mit Kunststoff als Bildträger auseinandergesetzt und für mich Neuland betreten. Die Herausforderung bestand darin, mit diesem Material einen Weg zu einem Bild zu finden, der meiner künstlerischen Praxis entspricht. 
Formal orientiert sich die Gestaltung dabei an klaren Formen und Geometrien, die in vielem meiner Bilder eine Rolle spielen. Der Umgang mit dem Material als Bildträger hatte zur Folge, dass ich das Abperlen der Farbe auf Kunststoff thematisieren konnte und damit meinem grundlegenden Interesse, Bildträger, Bildgegenstand und Malerei in Entsprechung zu bringen, nachgehen konnte.

Warum entschied sich die Jury für Ihren Entwurf?
Die Jury würdigte die an Makro-Strukturen von Kunststoffen orientierten Verschlaufungen der geschwungenen Form als inhaltlichen Bezug zum Forschungsschwerpunkt und hob insbesondere die harmonische Gesamtwirkung dieser Arbeit hervor, die auf das räumliche Gefüge der Foyersituation sowie das Farbkonzept der Architektur reagiert.

Was macht das Kunstwerk mit dem Foyer des PNS-Gebäudes?
Mir war bei der Konzeption wichtig, dass die Arbeit „perspective in surface” mit der Gebäudedynamik arbeitet. Der offene Charakter des sich über drei Etagen ersteckenden Foyers sollte nicht verstellt werden, sondern vielmehr eine Erweiterung erfahren. Dabei lässt sich die Wandgestaltung von keinem Standpunkt im Gebäude aus in vollen Umfang betrachten. ”Perspective in surface” betont durch Brechungen, Lücken, Spiegelungen, Wiederholungen und Transparenzen fortlaufend die vorhandene Architektur und die eigene Form. Mit jeder Bewegung der Betrachter*innen durch das Gebäude lädt die Wandgestaltung zum ständigen Perspektivenwechseln ein.

Wie erschließt sich ein*e Betrachter*in Ihr Kunstwerk auf dem Campus – und was ist die damit verbundene Idee Ihrer Arbeit?
Meine Wandgestaltung stellt Verbindungen zwischen Chemie und Kunst her. Grundlegend ist die Erkenntnis, dass sowohl die künstlerische als auch die chemische Forschung durch das Finden, Beobachten und anschließende Verändern von Strukturen geprägt sind. Durch die von der jeweiligen Forschung angestrebte Reorganisation von Strukturen erfolgt immer auch gleichzeitig eine Modellierung von Oberfläche. So können Oberflächen in Kunst und in Chemie als komplexe erforschbare Wirklichkeiten verstanden werden, welche die darunter liegenden Bedeutungen zum Ausdruck bringen. „Perspective in surface” verdeutlicht, dass es Chemie und Kunst gemein ist, Perspektiven anhand von Oberflächen zu schaffen. Dabei ist Perspektive hier sowohl als der optische Standpunkt einer Betrachtung, als auch als zukunftweisendes, inhaltliches Moment zu verstehen.

Stellt eine Universität eine besondere Umgebung für Kunst – und damit auch für Ihr Kunstwerk – dar? Nimmt die UBT, an der Sie ja auch studiert haben, hier einen besonderen Platz ein?
Eine Universität ist in der Tat ein besonderer Ort für Kunst, weil dort Verhandlung von Wissen und Forschung Konsens und Aufgabe sind. Dieser Raum für freie und konzentrierte Betrachtung ist wertvoll und ist vergleichbar mit der Situation im Atelier. „Perspective in surface” an der Universität Bayreuth zu zeigen, schließt für mich persönlich einen Kreis.
Angeregt zum Denken und eigene Perspektiven entwickeln, wurde ich an der Universität Bayreuth. Visuell weiterentwickeln konnte ich das im Rahmen des Kunststudiums in Nürnberg und jetzt findet sich eine Fortführung dieses Wegs in Form eines Bildes wieder an der Uni Bayreuth. Ich freue mich über diese Möglichkeit daher ganz besonders.

Tanja Heinlein, 18.12.2021 (Fotos: Annette Kradisch)

Sebastian Tröger „better future tomorrow“, Leuchtschrift

Ein haltbares Versprechen in jeder Hinsicht. Es gilt heute und morgen und übermorgen. Wenigstens solange der Strom fließt, postuliert Tag für Tag und Nacht für Nacht die neonfarbige Botschaft einen Fortschritt ohne Ende. Manchmal war die Kunst schon heftig gut und das Leben voll schön – aber was soll's, wir wollen es morgen wieder wissen, da geht doch noch 'was! 
Leuchtet die Schrift in Krisenzeiten nicht sogar heller, oder sollte das nur eine Täuschung sein? Steckt in der Entscheidung für die krakelige Druckschrift Sarkasmus, in der Wahl der Kleinbuchstaben (Selbst-)Ironie? Wir wünschen uns die Kunst als eine utopische Alternative zur Erfahrung der Entfremdung. Aber das Paradox der Kunst ist, dass ihr Anderswo im Hier liegt. Oder auch: Einer wie Sebastian Tröger sieht seine Grenzen und nimmt es mit Humor.

Hans-Peter Miksch, Leiter der kunst galerie fürth, April 2020

PETER SENONER - CIRCUS CORPUS

Alles dreht sich um die Figur − scheinbar zeitlose Kreaturen von sinnlicher Ausstrahlung formt der aus Südtirol stammende Bildhauer und Zeichner Peter Senoner (*1970) aus Holz, Bronze oder auf Papier. In den Grenzbereichen mythologisch inspirierter Verschmelzungen von Mensch und Natur und technoid-geschlechtslosen Wesen landen seine Figuren, gleichsam aus einer anderen Welt, im Hier und Jetzt.

In vielfacher Art kreist Peter Senoner in seinen Arbeiten um das Wesen des Menschen, seinen Körper, seine Herkunft, seine Verbundenheit mit der Natur und um seine Vorstellung zukünftiger Geschlechter, die eine Symbiose von Körper und Technik nicht ausschließt. Reiften schon in den 1980er Jahren technisch vermittelte Interaktionen von Mensch und Maschine heran, so beantworten heute KI-gesteuerte Chatbots wie selbstverständlich Fragen im Kundenservice – gesellschaftliche Umbrüche, die den Künstler geradezu herausfordern. Senoner beschreitet dabei einen schmalen Grat, fokussiert besonders in den Zeichnungen Momente des Übergangs und bringt überraschend Spannungsfelder ans Licht.

In der Städtischen Galerie Cordonhaus Cham präsentiert Peter Senoner eine eigens für Cham kuratierte Einzelschau aktueller Skulpturen und Zeichnungen.

In der Ausstellung „Souvenir de Baden-Baden“ ist neben Hinterglasbildern, Fotomontagen und Zeichnungen erstmals auch eine Auswahl der Briefe zu sehen, die der in Berlin lebende Künstler Thilo Westermann an die Großherzogin von Baden, Stéphanie de Beauharnais (1789–1860), schreibt, als ob diese eine noch lebende Kunstsammlerin sei, die er über sein Schaffen auf dem Laufenden hält.

Obgleich Westermann im Hier und Jetzt schreibt und um Stéphanies Tod weiß (sie schreibt ihm nie zurück), entspinnt sich in seiner „Correspondance avec Stéphanie“ eine lebendige Auseinandersetzung zwischen Vergangenheit und Gegenwart: Was sagt unser Handeln und Denken über uns selbst aus, wenn wir uns in eine berühmte oder historische Figur vertiefen? Welche Eigenschaften, Meinungen und Gefühle projizieren wir in einen Menschen hinein, den wir nicht näher persönlich kennen? Wo verschwimmt die objektive Faktenlage mit persönlichen Mythologien und mit welchen Narrativen und Wertvorstellungen identifizieren wir uns selbst?

Westermann verknüpft in seinen Briefen und Bildern wissenschaftliche Recherchen zu gesellschaftspolitischen Problemfeldern mit persönlichen Überlegungen und dem eigenen Werdegang als Künstler. Stipendienaufenthalte etwa an der Cité Internationale des Arts in Paris (2019) oder als Baldreit-Stipendiat in Baden-Baden (2020) dienen ihm dabei als Ausgangspunkt, um sich zum Beispiel mit napoleonischer Kolonialpolitik, der Integration von Flüchtlingen in der Mitte der Gesellschaft, interkulturellem wie interkonfessionellem Austausch oder der Landesgeschichte Badens auseinanderzusetzen.

Der Titel der Ausstellung „Souvenir de Baden-Baden“ rekurriert auf Westermanns persönliche Erinnerungen an Baden-Baden, zugleich ist er jedoch auch der Name einer preisgekrönten Rosenzüchtung. Diese schmückt seit 2008 die Gönneranlage sowie den Rosenneuheitengarten in Baden-Baden und wird die Bilder und Texte der Ausstellung im Sommer somit nach draußen ins Freie tragen.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.

Während des Art Weekend Nürnberg gibt es dieses Jahr im Heimatministerium wieder einen Skulpturenparcour mit verschiedenen Teilnehmern zu sehen.

Am Freitag, den 8. Oktober 2021 um 18 Uhr eröffnet Albert Füracker, Staatsminister der Finanzen und für Heimat das Art Weekend Nürnberg im Heimatministerium. Anschließend führt Dr. Teresa Bischoff in das diesjährige Kunstwochenende ein.

weitere Informationen: https://www.artweekendnuernberg.com/

Pressetext Programmheft:

Annette Oechsner zeigt eine Solopräsentation von Andreas Oehlert mit neuesten Aquarellen. Einfarbig aquarellierte Blätter entwickeln sich langsam und wachsen durch das Wegnehmen von Farbe mittels Pinsel und Wasser. Getilgte Stellen werden mit anderen Farben aufgefüllt. Der Künstler zelebriert einmal mehr seinen sich fortlaufend erweiternden Kosmos aus Strukturen, Farben und Mustern, die immer wieder neu zum Seherlebnis werden.
Andreas Oehlert, 1966 geboren, studierte bei Rolf-Gunter Dienst an der Akademie der Bildenden Künste Nürnberg, an der Akademie der schönen Künste Krakau und am Chelsea College of Art & Design in London. Der vielfach ausgezeichnete Künstler lebt in Fürth. Die Galerie vertritt Andreas Oehlert seit Anbeginn und hat ihn in mehreren Ausstellungen gezeigt.

„Sebastian Tröger (*1986, Erlangen; lebt in Nürnberg) setzt sich in seinen Arbeiten meist ironisch mit dem System Kunst sowie mit dem eigenen Selbstverständnis als Künstler auseinander. Dabei zitiert er Stilrichtungen und Epochen der Malerei und lässt seine Bilder zu Bühnen für die unterschiedlichsten Akteure der Kunstwelt werden. Trögers Stil zeichnet sich durch einen pastosen Farbauftrag, eine schnelle, flüchtige Malweise und eine Unbekümmertheit im Umgang mit verschiedensten Motiven aus. Eine besondere Bedeutung kommt dabei den Bildtiteln zu: Mal banal, mal kritisch, offenbaren sie einen subtilen Humor, der sich auch in den skulpturalen Installationen und Soundarbeiten des Künstlers finden lässt. (Judith Grobe)

Natalie de Ligt
Spot on: Dashdemed Sampil - Wandmalerei und Zeichnung

Zwei wesentliche Aspekte im Schaffen von Dashdemed Sampil kommen auch in dieser Kombination aus Wandbild und zwei Tuschezeichnungen zum Tragen.

Da sind zum einen Motivwelt und Bildsprache. Beides ist grenzgängerisch. Wie in den hier gezeigten Zeichnungen bilden auch in den meisten Arbeiten des Künstlers Figuren das zentrale Motiv. Allerdings sind es stets Mischwesen, die mal archaisch, dann wieder artifiziell anmuten und die in ihrer hybriden Erscheinung immer für etwas Übergeordnetes stehen. Denn der Künstler nimmt das Kreatürliche umfassend in den Blick und zeigt uns seine Wesen stets in einem Prozess befindlich oder diesem ausgesetzt und er zeigt sie als Teil des Kreislaufs von Werden und Vergehen. Auch formal betrachtet bilden sie ein Hybrid  - aus abstrakt und konkret, expressiv und versammelt. Der Künstler bedient sich zugleich fremder wie vertrauter Bild- und Formensprachen. Und entsprechend ist die Wirkung seiner Bilder: fremd und vertraut. 

Der andere Aspekt in Dashdemed Sampils Kunst betrifft die Wahl der Mittel und wie er sie einsetzt. In dem Wandbild spielt er mit der Ästhetik von konkreter Kunst wie sie Anfang des 20. Jahrhunderts entstand. Im Galerieraum entfaltet es eine überbordende Fernwirkung. Bei näherem Hinsehen zeigt sich, dass der Künstler keine Pinsel und Farben des Künstlerbedarfs verwendet hat, sondern handelsübliche Anstreicherutensilien wie eine breite Rolle und Dispersions-, also Wandfarbe. Als hätte er zunächst vorgehabt, die Wand farbig zu streichen, um ihr einen ansprechenden Hintergrund für die beiden Zeichnungen zu geben. Dieses Vorhaben hat sich dann aber verselbständigt. Der handwerkliche Vorgang wurde experimentell und wandelte sich zum künstlerischen Akt. Die Rolle wurde zum Pinsel, die Stellwand zur Leinwand. Aus der Wandfarbe erwuchsen freie, als Kunst gedachte Formen. Der Anstreicher wurde zum Künstler. Und so erweist sich auch hier das Wandbild als Hybrid – in diesem Fall aus Handwerk und freier Malerei. Und hier lässt sich zudem nachvollziehen, wie sich die künstlerische Form an die Oberfläche kämpft und zum Bild wird. 

Die Serie der Gemälde „Im Grunde gut“ von Sebastian Tröger zeigt von floralen Formen und Motiven umgebene Objekte, Gefäße und Vasen auf monochromem Grund.

Seit Beginn der Menschheitsgeschichte dienen diese auf den ersten Blick nur funktionalen oder dekorativen Gegenstände als Träger von Informationen und als Kommunikations- und Unterhaltungsmedium. 

Wertevorstellungen und ästhetische Leitideen wurden auf diese Weise ebenso materialisiert und dokumentarisch festgehalten wie kulturell und gesellschaftlich bedeutsame Ereignisse.

In diesem Kontext stehen die von Sebastian Tröger gewählten Protagonisten wie das „Nagetier (König) mit Ball“, „Wichtige Werkzeuge“ oder „Der Schlangenkrug“ zwar als individuelle Erscheinungen und zentrale Sujets im Bild, verweisen darüber hinaus aber auch auf übergeordnete Themen- und Bildkomplexe und reflektieren die eigene Existenz.

Ausstellung bis 13. März 2021

Während des Lockdowns bleibt die Galerie geschlossen. Wenn Sie Kunst erwerben möchten, wenden Sie sich bitte gerne per Mail oder Telefon an uns.

Hans-Peter Weigel

Tusche, Tropfen, Tupfer

Ein kariertes Blatt vom Schreibblock. Ein Pinsel. Schwarze Tusche. Mehr braucht Susanne Roth nicht für ihr „Intermezzo II“. Eine Vorgabe lässt Susanne Roth sich machen: die Karo-Kästchen. Eine andere Vorgabe macht sie sich selbst: pro Kästchen ein Tupfer. Dialog zwischen Regelmaß und freiem Spiel!

Die Karos sind geometrisch exakt liniert, eines wie das andere. Die Tupfer haben allesamt ihr eigenes Gesicht: mal markant, mal winzig; mal mitten im Kästchen, mal ganz am Rand platziert; mal wie ein Tropfen, mal wie ein kleines Dreieck. Mal wie ein Komma, ein accent dégu oder sonst ein Satzzeichen. Mal wie eine Note in einer alten Musik-Handschrift.

Intermezzo bedeutet Zwischenspiel. Ein Intermezzo ist kurz, kommt auf leichtem Fuß daher - große Kunst indes in kleiner Form. Susanne Roths „Intermezzo“ wirkt wie bloß hingetupft, bringt aber auf den Punkt, trifft ins Herz.

Mich jedenfalls! Ich flaniere an den sechs ausgestellten Arbeiten hin und her. Sie hängen nicht in der Reihenfolge, wie sie geschaffen wurden. Eröffnet wird der Reigen mit einem hellen Bild, es folgen dunklere Arbeiten, ein Blatt scheint auf den ersten Blick nachtschwarz, schließlich lichten sich die Tusche-Tupfer wieder.

Wie im „richtigen Leben“, in dem es „eine Zeit des Klagens und eine Zeit zum Weinen“ gibt, „eine Zeit zum Weinen und eine Zeit zum Lachen“? Wie im „richtigen Leben“, in dem Menschen gerne auch für sich sind, oder sich nach Beziehung sehnen, oder Nähe erdrückend finden – in dem es eine Zeit gibt, „sich zu umarmen und eine Zeit, sich aus der Umarmung zu lösen, eine Zeit zum Suchen und eine Zeit zu verlieren“ (Kohelet, Kap. 3)?

Es zieht mich immer wieder zum ersten, dem hellen Bild der Reihe (Blatt 7) zurück. Die Tupfer bewegen sich wie die Januar-Schneeflocken, die draußen gerade vor dem Fenster dahintreiben. Weder wirkt ein Tupfer je ins Karo-Kästchen eingepresst - noch verschmilzt eines mit dem anderen. Da und dort aber zieht es einen Tupfer aus seinem Kästchen zum „Nachbarhaus“ hinüber. So wie sich Susanne Roths betuschte Pinselspitze spielerisch zu einem neuen Karo-Feld ziehen lässt…

Die anderen Blätter der Serie sind dunkler, dichter betupft. Ich „zoome“ mit den Augen: Schwarze Tupfer gruppieren sich zu Rosetten (Blatt 9) oder auf der Spitze stehenden Dreiecken (Blatt 12) oder Rechtecken (Blatt 11); weiße Zwischenräume verbinden sich zu geradlinigen Pfaden (Blatt 14); einmal lese ich im Bild einen Totenschädel mit Augenhöhlen und Mundöffnung. (Blatt 14). Ich Iese es so. Geplant hat Susanne Roth diese Gefüge nicht, da bin ich mir sicher.

Am meisten kontrastiert zu dem beschwingten Eröffnungsbild eine dunkle Arbeit (Blatt 17). Im Streiflicht hat die Tusche-Schicht die Textur von schwarzem Samt. Die Tupfer sind ineinander geflossen, haben sich aufgelöst. Nur die Zwischenräume zeigen hier noch eine eigene Gestalt. Das Bild ist schwarz wie der Nachthimmel, an dem einsame Sterne kreisen.

Einzelne Tusche-Tupfer in den Arbeiten sind Susanne Roth so geraten, dass sie mich an das „Jod” erinnern. Das Jod (¸) ist der kleinste Buchstabe im jüdischen Alphabet; es lautet wie unser i oder j. Geschrieben sitzt es in der Schriftzeile ganz oben, sieht ein wenig aus wie ein stilisierter Tropfen, und ist ein „Bauteil“ aller anderen hebräischen Buchstaben. Ich schlage nach, wie der jüdische Gelehrte und Erzähler Friedrich Weinreb* das Jod deutet. Ist sein Text nicht ein wunderschöner Schlüssel zu Susanne Roths Arbeiten? 

*Jod – ein Tropfen. Aus diesem Tropfen entsteht der Mensch. Es ist der Samentropfen, ein unsichtbares Pünktchen. Es ist der Blutstropfen, es ist die Träne. Schüchtern zeigt sich der Anfang, ein Strichlein aus dem Nichts, es wächst heran, nimmt Raum ein, doch bald endet es erneut in einem Strichlein und verschwindet. … Jod – das kleinste, fast unsichtbare Zeichen, tatsächlich wie ein neugeborenes Kind. (Friedrich Weinreb, 1919-1988: Buchstaben des Lebens)

 Ausstellung bis 13. März 2021

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Simone Schimpf, Direktorin am Museum für Konkrete Kunst Ingolstadt schreibt im Katalog Christian Faul „lichtgetrunken“ zu dessen Werken u.a.:

„Fülle und Leere sind Schlüsselbegriffe für Christian Fauls Kunst und sie eröffnen den Bezug zur japanischen Ästhetik, der bei ihm nicht überschätzt werden kann.
Die östliche Malerei hat sich kaum von dem Wiedererkennbar-Figürlichen losgesagt. Es gibt in diesem Sinne keine ungegenständliche Malerei, wie sie für die westliche Moderne bezeichnend ist. Aber genau das gilt es zu verstehen: Obwohl es klar zu identifizierende Motive gibt, sind diese nicht das Thema der Malerei.
Das Gleiche gilt für die Malerei Christian Fauls, der sich nur scheinbar mit der langen westlichen Kunstgeschichte beschäftigt und stattdessen andere, östliche Vorbilder gefunden hat.

Dreißig Speichen treffen die Nabe
Die Leere dazwischen macht das Rad.
Lehm formt der Töpfer zu Gefäßen
Die Leere darinnen macht das Gefäß.
Fenster und Türen bricht man in Mauern
Die Leere damitten macht die Behausung.
Das Sichtbare bildet die Form eines Werkes.
Das Nicht-Sichtbare macht seinen Wert aus.*

(*Tao Tê King, ca. 4. Jahrhundert v. Chr.)“

Ausstellung bis 27. Februar 2021 verlängert

Während des Lockdowns bis 14. Februar 2021 bleibt die Galerie geschlossen. Wenn Sie Kunst erwerben möchten, wenden Sie sich bitte gerne per Mail oder Telefon an uns.

„Durch meine jahrelange künstlerische Auseinandersetzung mit den Alpen, versammelt im Buch ALP, entdeckte ich auch die hochalpinen Ski Resorts im Sommer für mich. Ihre schiere Präsenz, losgelöst von Winterlandschaft und Touristenmassen, forderte mich heraus, genau hinzuschauen. ÉTÉ ist eine subjektive Bestandsaufnahme, wie touristische Architektur und Infrastruktur in die alpine Topographie involviert sind. Orte im Stile brutalistischer Bauten, die in den Sommermonaten durchaus Melancholie und Leere ausstrahlen. Wie so oft in meinen Arbeiten hat mich etwas angezogen, was mich fragend und staunend empfangen hat. Orte vergangener Visionen, die sowohl Relikte als auch ein Angebot sind, wie die Alpen mit immer mehr Menschen und weniger Schnee umgehen könnten. Das dazugehörige Buch entstand in Zusammenarbeit mit Sebastian Schels.“ (Olaf Unverzart, Jan. 2021)

Ausstellung bis 27. Februar 2021 verlängert

Während des Lockdowns bis 14. Februar 2021 bleibt die Galerie geschlossen. Wenn Sie Kunst erwerben möchten, wenden Sie sich bitte gerne per Mail oder Telefon an uns.

Der Zusammenstellung einer Sammlung geht notwendigerweise eine Suche voraus. Ob es Antiquitäten oder Beweisstücke sein mögen, ein Stück kann der Sammlung nur zugefügt werden, wenn es zu ihr passt, es muss gefunden werden.

Wenn „Keine Messer, wo viele Menschen sind”zwölf Messer in vier Reihen zeigt, die mit spröder Kreidefarbe auf tiefdunkelblauem Mischgewebe eingetragen wurden, entsteht der Eindruck, dass diese Stichwaffen und deren mögliche Abbildung simultan gesucht, gesammelt und hinterfragt wurden. Ein poetischer Vorgang, der typisch für die künstlerische Arbeit von Jasmin Schmidt ist.

Bildgegenstand und Malweise, Bildtitel und Abgebildetes ent- und widersprechen sich hier kontinuierlich, so dass stets die Möglichkeit gegeben ist, alles neu zu betrachten, genug Zweifel zu haben, um vermeintlich Eindeutiges zu hinterfragen. So sucht, so sammelt es sich gut.

Ausstellung bis 27. Februar 2021 verlängert

Während des harten Lockdowns bis 31. Januar 2021 bleibt die Galerie geschlossen. Wenn Sie Kunst erwerben möchten, wenden Sie sich bitte gerne per Mail oder Telefon an uns.

Claudia Marquardt, Kunstvermittlerin am Neuen Museum Nürnberg schreibt zu Gerhard Mayers neuen Elliptical Paintings u. a.:
Es sind komplex aufgebaute, räumliche Gebilde mit teilweise unendlich wirkender Tiefe und verführerisch funkelnden Oberflächen: Edelsteine. Auf kleinstem Raum ist hier Licht geborgen, das durch Brechen, Polieren, Facettieren – quasi durch den letzten Schliff vollendet und zum Blickfang werden kann.
Edelsteinmotive stehen im Zentrum von Gerhard Mayers neuer Werkserie. Mit unterschiedlichen bildnerischen Mitteln hat Gerhard Mayer immer wieder systematisch Räume zerlegt, sie teilweise regelrecht gesprengt, um diese dann mit neuer Identität – bei den Edelsteinbildern Facette für Facette – wiederaufzubauen. Er öffnet und schafft durch gezielte Lichtregie imaginäre Räume.

Ausstellung bis 27. Februar 2021 verlängert

Während des harten Lockdowns bis 31. Januar 2021 bleibt die Galerie geschlossen. Wenn Sie Kunst erwerben möchten, wenden Sie sich bitte gerne per Mail oder Telefon an uns.

Olaf Unverzart und Sebastian Schels beschäftigen sich in ihrer Serie ÉTÉ mit einem alpinen Landschaftsbild abseits der üblichen Postkartenmotive. Insgesamt 33 Skiorte in den französischen und italienischen Westalpen haben die beiden Fotografen in den Jahren 2018 und 2019 mit Plattenkameras dokumentiert. Ihre Aufnahmen zeichnen ein Bild, das durch touristische Architektur und Infrastruktur geprägt ist. Es sind Wintersportorte, die ab den 1960er-Jahren auf heute nahezu undenkbare Weise als am Reißbrett entworfene Ferienkolonien entstanden. Ihre Konzeption als flächeneffiziente, hochdichte und verkehrsfreie Orte für Jeder- mann entspricht dabei ganz der funktionalen Tourismusarchitektur der 1960er- und 1970er-Jahre.

Aus heutiger Sicht, in der mehr und mehr Skiorte dem Klimawandel anheimfallen, erscheinen die Utopien von einst wie aus der Zeit gefallen. Durch ihren feinsinnigen, fast poetischen Blick setzen Unverzart und Schels den Ideen von damals ein fotografisches Denkmal. Alle Aufnahmen entstanden während der Sommermonate und verleihen den schnee- und menschenleeren Orten einen seltsam entrückten, melancholischen Charakter.

»Die Motive von Olaf Unverzart sind subtil, assoziativ und deuten an. Sie sind nicht gemacht, um etwas zu erklären, zu beschreiben oder aufzuzeigen. Die oftmals in schwarz-weiss gehaltenen Aufnahmen sind Spuren, die er uns zu lesen gibt. Er hält sie uns aber nicht einfach nur direkt vors Gesicht, sondern er holt uns Stückchen für Stückchen, Moment für Moment, Graustufe für Graustufe rein ins Bild – in seine Sicht auf die Dinge – ganz gemächlich und behutsam. Er fordert uns heraus, die Geschichte, die Situation weiter zu denken, weiter zu erzählen – jede einzelne und jeder einzeln für sich. In den vergangenen 10 Jahren sind mit diesen Bildern zahlreiche sehr sensibel und feinfühlig gestaltete Bücher entstanden.«
Andy Scholz, Juni 2020

Olaf Unverzart wurde 1972 in Waldmünchen geboren, studierte Fotografie an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig und lebt in München. Er war Dozent an der Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg und unterrichtet seit 2011 am Mozarteum in Salzburg. 2019 erhielt er das Arbeitsstipendium der Stiftung Kunstfonds, 2018 das Projektstipendium der VG BildKunst und war 2014 Stipendiat in der Villa Massimo/Casa Baldi in Rom. In diesem Jahr (2020) wird das Buch »été« beim Dortmunder Kettler Verlag erscheinen.
Seine Arbeiten wurden u.a. ausgestellt im NRW Forum Düsseldorf, in den Deichtorhallen Hamburg.
Olaf Unverzart wird von Annette Oechsner seit 2006 in der Oechsner Galerie, Nürnberg vertreten.

Einen Auszug aus seiner Arbeit und von seinen Studierenden wird er in der großen Hauptausstellung HÖHER SCHNELLER WEITER im Kunst- und Gewerbeverein Regensburg vom 22. Oktober bis 15. November 2020 zeigen.

http://www.unverzart.de/
https://festival-fotografischer-bilder.de/portfolio/olaf-unverzart/

Thilo Westermann ist für ein halbes Jahr derzeitiger Baldreit-Stipendiatfür in Baden-Baden. Eine traditionsreiche Technik wird mit seiner Kunst dort neu belebt: Die Hinterglasmalerei. Es entstehen kostbare, filigran gearbeitete Bilder von Pflanzen und Blüten. Das ist aber nur ein Aspekt seiner Kunst. Denn eigentlich geht es Thilo Westermann ums Konzeptuelle: mit Mitteln der Fotografie werden diese Arbeiten in installative Kontexte versetzt, die einiges über die Gegenwart zu berichten wissen. Nur scheinbar geht es um Tradition und Historie, wenn er sich während seines Aufenthaltes mit der historischen Figur der Stéphanie de Beauharnais, der Adoptivtochter Napoleons und Großherzogin von Baden befasst. 

Im Zusammenhang mit seinem Baden-Baden Aufenthalt wurde Thilo Westermann vom SWR-Redakteur Bernd Kündig für das Radioformat „Treffpunkt Klassik extra“ als Gast in das SWR Studio eingeladen. Thilo Westermann wird „seine“ klassische Musik und seine künstlerische Arbeit vorstellen.

Handlungsanweisung für den Ausnahmezustand:

Es ist Samstag, der 04.04.2020,15.45 Uhr

Du hast bereits eingekauft und dabei Rücksicht auf deine Mitmenschen genommen. Du öffnest ein Fenster. Niemand geht nahe daran vorbei. Die Luft ist klarer und die Stadt ist endlich zur Ruhe gekommen. Ohne Dauerverkehr hörst du die Vögel zwitschern. Es ist trotz einer Pandemie Frühling geworden. Anders als sonst, geht es den Menschen hier im Moment schlechter und der Natur besser. Deine sozialen Kontakte hast du über verschiedene Kanäle ausreichend gepflegt. Der Ministerpräsident überlegt sich gute Formulierungen für die nächste Pressekonferenz und trinkt dabei einen Cappuccino aus einer Kapselmaschine mit Milchaufschäumer. 

In ganz Deutschland und der ganzen Welt stehen schöne Museen und Galerien, die gefüllt sind mit guter Kunst – bereit für den Diskurs, die Zerstreuung, Verkäufe und die ästhetische Auseinandersetzung. Auf die lackierten Oberflächen legt sich eine feine Staubschicht. Aktivisten versuchen vergeblich die Aura der Werke in ein Smartphone Display zu retten, doch es fehlen der Geruch, die Blickachsen, die Materialität und die Atmosphäre vor Ort. Es ist angenehm ruhig bei der Kunst.

Du schaust nach der Uhrzeit auf deinem Handy. Es ist jetzt 16 Uhr. Du gehst in die Küche und greifst zum Wasserkocher. Du füllst ihn und drückst auf den Kippschalter. Das Lämpchen leuchtet rot. Du suchst dir aus der Schublade einen Teebeutel aus. Ob er wirklich frei von Mikroplastik ist? Haben der Stern oder Brigitte diesmal wirklich recht? 

Du entscheidest dich um. Du schneidest einen Stängel von der Minze auf dem Fensterbrett ab und legst ihn ungewaschen in ein Glas. 

Das Wasser kocht. Du füllst das Glas. Die feinen grünen Blätter sehen badend sehr schön aus. Du setzt dich bequem auf dein Sofa und öffnest Instagram. Sebastian Tröger ist live. Er hat sich gerade auch einen Tee gemacht und gibt jetzt ein Konzert für ein paar Pflanzen und alle die es interessiert. Es dauert nicht zu lange. Vielleicht eine halbe Stunde. Du schließt die Augen. Es riecht nach Minze.

Sebastian Tröger

Seit Inkrafttreten der Krisenmaßnahmen zur Eindämmung der Verbreitung von COVID 19 haben wir - wie viele andere Unternehmen und Institutionen - auch die Galerie für die breite Öffentlichkeit schließen müssen. Unsere Arbeit vor Ort halten wir dennoch - selbstverständlich unter Einhaltung aller Vorschriften - aufrecht.

Nicht zuletzt, weil die laufende Ausstellung von Sebastian Tröger „In Zeiten des Wahnsinns" unbeabsichtigt zusätzliche Aktualität erlangt hat. Der Ausstellungstitel entstand lange bevor das Coronavirus zum dominierenden Thema wurde. Nun liest sich der Titel erschreckend aktuell. Gleichzeitig weist „In Zeiten des Wahnsinns" über ein Zitieren der Umstände hinaus. Der Künstler hat Gemälde, Installationen, Soundarbeiten und Lichtarbeiten geschaffen, die klug und tiefgründig, zugleich voller Humor und Hoffnung sind. Sich damit gerade jetzt zu beschäftigen, könnte treffender kaum sein. 

So haben wir uns vorgenommen, Sie auch ohne reguläre Öffnungszeiten weiter regelmäßig an Kunst, dem Wirken der Künstlerinnen und Künstler und dem Leben rund um die Galerie partizipieren zu lassen - mit einem wöchentlichen Statement, das zum Auftakt von der Galeristin selbst kommt:

"Bevor ich den veränderten Tagesrhythmus im Galeriehaus aufnehme, stecke ich in der Ausstellung von Sebastian Tröger stets die Neonarbeit „better future tomorrow" an, bringe den Schriftzug zum Leuchten. Das Werk hat mich von Anfang an in den Bann gezogen und hat zu vielerlei Gedankenketten geführt. Der rote Schein der Leuchtschrift ist tagsüber tröstliche Lichtdusche, am Abend manchmal auch dringliche Warnleuchte. Die drei Worte „better future tomorrow" haben vor Corona in mir Widerstreit ausgelöst: Wie soll das Morgen noch besser sein als das Heute? Uns geht es doch gut wie nie hier in Deutschland. Ja, beim Klimawandel ist es zwar längst fünf vor 12, es gibt Flüchtlingsdramen, Kriege. Doch wie soll das Morgen von selbst besser werden? ... Und nun, im so noch nie erlebten Ausnahmezustand einer Pandemie, haben die Worte eine ganze neue Dynamik und Dringlichkeit. „better future tomorrow" - eine bessere Zukunft, ja, unbedingt... Aber wie, wann? Wann wird dieses Morgen sein?

Annette Oechsner - Donnerstag, 26. März 2020

Die junge Hanseatische Gesellschaft für Wasserfarbenmalerei verzichtet auf den königlichen Glanz ihrer 1805 gegründeten Londoner Schwestergesellschaft, der »Royal Watercolour Society«. Nichtsdestotrotz geht es auch bei der HGfW um die ernsthafte Auseinandersetzung mit diesem durchaus unterschätzten Medium, das ja so viel mehr sein kann als alles, was im nie nachlassenden Gebrauch durch Hobbyisten entsteht. Zum 10. Jubiläum ihres Bestehens wird die HGfW erneut den Beweis an-treten, wie ernst ihr diese Mission ist.
Die Hanseatische Gesellschaft für Wasserfarbenmalerei ist ein Zusammenschluss von Künstler*innen, die sich mit dem Medium Wasserfarben innerhalb ihrer eigenen künstlerischen Positionen auseinandersetzen. Es gibt keine inhaltlichen Einschrän-kungen. Das Bindeglied ist die Verwendung von Wasserfarben im Werk der einzelnen Künstler*innen. Dabei ist der Begriff »Wasserfarbe« nicht fest umrissen: Neben dem Aquarell gehören Tuschen unbedingt dazu – genau genommen alles Wasserlösliche. Das zeigen die Arbeiten von Künstler*innen aus Berlin, Hamburg, Köln und Nürnberg. (Pressetext HGfW)

"Seit Jahren finden die Zeichnungen von Andreas Oehlert - parallel zu Objekten und Installationen -  ihr Gleichgewicht zwischen Abstraktion und Sinnlichkeit und formulieren Dinge, die in keiner anderen Sprache zutreffender gesagt werden können. Diese langsam gewachsenen Blätter stellen sich in all ihrer Pracht dar, flanieren selbstbewusst über die Wände, wollen in ihrer Schönheit gesehen werden, werden in ihrer Schönheit gesehen." Dr. Harriet Zilch, Kuratorin an der Kunsthalle Nürnberg

Tobias Haberl schreibt in seinem neuen Buch gegen ein solches Unbehagen an, nämlich gegen die zunehmende Entzauberung unseres Lebens. Denn das ist vernünftig, digitalisiert, versichert, vermarktbar, mit moralischem Gütesiegel versehen, glatt und gut beleuchtet. Wir haben alles unter Kontrolle. Aber haben wir auch Freiheit und Glück gefunden? Haberls Polemik wider den Zeitgeist stellt unbequeme Fragen. Könnte es sein, dass wir reicher und gleichzeitig ärmer, sicherer und gleichzeitig ängstlicher, unpolitischer und gleichzeitig radikaler werden? Und Haberl stellt die Werte vor, die unser Leben wieder verzaubern und mit wahrem Glück erfüllen können. Unvernunft und Glamour, Spontanität und Gelassenheit, Natürlichkeit und Nähe.

»Wenn auch Sie den Verdacht haben, dass die Summe von Selbstoptimierung und Wellness-Weekend, Extremsport und Rundumversicherung, digitalem Dauernarzissmus und Stammplatz beim Therapeuten nichts ergibt, das den Namen ›Leben‹ verdient, dann lesen Sie dieses Buch: ein Seelenbad!«
Thea Dorn (23. September 2019)

Paperback , Klappenbroschur, 288 Seiten, 13,5 x 20,6 cm
ISBN: 978-3-89667-645-0
Erschienen am  11. November 2019

Tobias Haberl, geboren 1975 im Bayerischen Wald, hat in Würzburg und Großbritannien Latein, Germanistik und Anglistik studiert. In den Jahren 2001 und 2002 war er freier Journalist in Berlin, besuchte dann die Henri-Nannen-Schule Hamburg und ist seit 2005 Redakteur im Magazin der »Süddeutschen Zeitung«. 2016 erhielt er den Theodor-Wolff-Preis. Der Autor lebt in München.

Der bayerische Bezirk Mittelfranken verleiht jährlich „in Anerkennung bedeutsamen kulturellen Schaffens“ einen Preis an Persönlichkeiten, die durch Geburt, Leben oder Werk mit Franken verbunden sind. Namensgeber für den Preis ist der Dichter Wolfram von Eschenbach. Der Hauptpreis ist seit 2009 mit 15.000 Euro dotiert, drei Förderpreise zu je 5000 Euro werden an junge Künstler vergeben.

"Natur als Argument"

Die Jahresausstellung des Kunstvereins 2019 reagiert auf dringliche Fragen in Kunst und Gesellschaft, die sich mit Nachhaltigkeit, Klimawandel und Artensterben sowie mit dem Einwirken des Menschen in nahezu alle natürlichen Systeme beschäftigen. ‚Natürlich‘ im Sinne des Unberührten, ‚künstlich‘ als Eingriff und Neuformung des Menschen – solche klaren Abgrenzungen lassen sich für unser Zeitalter des Anthropozän kaum noch halten. Bereits in der historischen Landschaftsmalerei wurde die „Natur“ zum Argument – sie wurde zum Pendant eines Menschen, der sich ihr gegenüberstellt, sie (und sich) neu definiert und sich so auch als modernes Subjekt versteht. Petrarcas Besteigung des Mont Ventoux im frühen 14. Jahrhundert legt bereits einen Pfad, auf dem sich ein westlicher Kulturkreis in der Folge über die Natur immer wieder selbst entdecken wird. Was wir bis heute in der Natur ‚lesen‘ sind vor allem Geschichten über uns selbst. Naturerfahrung oszilliert immer wieder zwischen Idealisierung und respektloser Nutzung; die unvoreingenommene Begegnung mit der Natur führte zu medial und konzeptuell erweiterten Formen innerhalb der Domäne der Kunst, die ein anderes Vorstellungsbild von „Natur“ zugleich mitentwerfen. Materialität und Prozesshaftigkeit wären als Kriterein zu nennen, sowie Wachstum und Veränderung als ‚natürlich’ gesetzte Logiken. Die Ausstellung folgt diesen Spuren und bringt nicht zuletzt auch die Heterogenität zum Ausdruck, mit der in der Kunst die Beschäftigung mit der Natur ein Argument der Kunst wurde – sei es als Abgrenzungsfolie, Ähnlichkeitsbestrebung oder als ästhetisch befruchtendes Potential. Die vielfältigen Medien, Materialien und Methoden, die Künstlerinnen und Künstler diesbezüglich entwickelt haben, gilt es in der Ausstellung zu entdecken. (Pressetext Kunstverein Bamberg)

Die Reihe „Stufen zur Kunst“ ist eine Kooperation der Stiftung Niedersachsen und des Kunstvereins Hannover. Jährlich wird eine speziell für das Treppenhaus im Ostflügel des Künstlerhauses entwickelte raumgreifende Installation beauftragt. Das Treppenhaus wurde 1999 im Zuge eines Umbaus als direkter Zugang zur Stiftung Niedersachsen von den Architekten Pax + Brüning in dieser Form erstellt. Aufgrund der klaren und reduzierten Gestaltung war es von vornherein für die Entwicklung und Präsentation ortsspezifischer künstlerischer Projekte prädestiniert, da sich der Raum zugunsten einer künstlerischen Gestaltung zurücknimmt. (www.stufenzurkunst.de)

Aus dem eingeladenen Wettbewerb für das Jahr 2019/20 wurde der Vorschlag des Künstlers Sebastian Kuhn (*1977, Krumbach) angenommen. Ab dem 28. August 2019 ist die mehrteilige ortsspezifische Installation „Pontracost“ des in Nürnberg beheimateten Künstlers im Treppenhaus zu besichtigen. Der Titel „Pontracost“ spielt ironisch auf den Kontrapost an, ein Gestaltungsmittel aus der Bildhauerei, das das Nebeneinander von Stand- und Spielbein einer menschlichen Figur bezeichnet, und auf die auch beim Treppensteigen stattfindenden Bewegungen. Kuhn installiert über die gesamte Höhe des Treppenhauses Aluminiumrohre, die ihre Verwendung normalerweise in der Veranstaltungstechnik finden. Mittels Schellen werden die Rohre sowohl untereinander verbunden als auch am Geländer der Treppe befestigt und bilden somit eine Art „Skelett“, das als Bildträger für die unterschiedlich großen Spiegelfragmente fungiert. Diese sind mit einer reflektierenden Folie beschichtet, die in ihrem Ergebnis eine Simulteinität von Transparenz, Körperlichkeit und Reflexion innerhalb des Raumes erzeugt. Im Mittelpunkt der Installation, etwa auf Höhe des ersten Obergeschosses, ist ein quadratischer Lichtkasten platziert, der komplett mit Spiegelfolie überzogen ist und innerhalb seines Korpus umlaufend Lichtröhren beheimatet. In seiner Erscheinungsform und Funktion übernimmt der Lichtkasten gewissermaßen die Rolle eines Nukleus: Je nach Betrachtungswinkel wird das Licht auf der folienbeschichteten Oberfläche in die Farben des Lichtspektrums gebrochen. Dadurch entsteht ein „Lichtkorridor“, der von der unteren und oberen Seite des Leuchtkastens einsehbar ist. Durch die Ausrichtung der umliegenden Spiegel wird diese Doppelspiegelung wiederum reflektiert und vervielfältigt – der Blick der Ausstellungsbesucher*innen wird damit in einen vermeintlich unendlichen Raum gelenkt. Erinnerungen an die fantastisch-irritierenden Architekturen eines Giovanni Battista Piranesi oder M. C. Escher, die auf ähnliche Weise mit der Wahrnehmung des Raumes gespielt haben, werden geweckt.

Kuhn vollzieht mit seiner Arbeit „Pontracost“ im wörtlichen Sinne einen Balanceakt und überführt ihn in eine Konstruktion, die Zerbrechlichkeit und Stabilität, Verletzlichkeit und Stärke ausstrahlt. Ähnlich einer skulpturalen Konversion windet sich das Aluminiumgerüst durch das gesamte Treppenhaus und erweckt damit den Eindruck eines lebenden metallenen Organismus. Die Betrachter*innen werden, ohne dass es ihnen bewusst ist, zu unmittelbaren Akteur*innen in Kuhns Installation, indem deren Aufmerksamkeit durch das von den Spiegelflächen reflektierte Antlitz geweckt (und subtil gelenkt) wird; bei der Erkundung der Details begegnen sie immer wieder nur flüchtig ihren eigenen Doppelgänger*innen. Mittels dieser Blickwechsel – zwischen Mensch und Spiegelbild – wird eine Narration geschaffen, die den Künstler letztlich in die Rolle eines heimlichen Choreografen versetzt. Die Architektur des Treppenhauses wird von einer tänzerisch- spielerischen Dynamik erfasst und in ihrer Strenge dekonstruiert. Das Ergebnis dieser Vorgehensweise ist ein kaleidoskopartiger Raumeindruck.
In jüngster Zeit fanden Einzelausstellungen von Sebastian Kuhn im Museum Lothar Fischer in Neumarkt (2019) und im Reuchlinhaus in Pforzheim (2018) statt. Kuhn ist seit 2013 im Rahmen eines Lehrauftrags an der Georg Simon Ohm Hochschule (TH) Nürnberg, Fakultät Architektur, tätig.

Ein Jahr lang haben Besucherinnen und Besucher nun die Möglichkeit, die mehrteilige Installation „Pontracost” zu erleben und sich auf das Spiel von Illusion und Instabilität, Transparenz und Körperlichkeit einzulassen.

Weitere Informationen können Sie über den Kunstverein Hannover erfragen. Der Künstler wird von den Galerien Anita Beckers, Frankfurt am Main, und Oechsner Galerie, Nürnberg, vertreten. (Pressetext KV Hannover, Aug. 2019)

Michael Franz (geb. 1974) hinterfragt kritisch die Bedingungen künstlerischer Produktion. Dabei rückt immer wieder auch der Originalitätsanspruch in den Fokus. Für eine von ihm kuratierte Gruppenausstellung schuf Franz 2017 sechs Zeichnungen in vier verschiedenen DIN-Formaten nach einem Gemälde von Horst Antes. Es diente als Prüfstein für Fragen, die neben der Problematik der Originalität auch die Wahl der Technik (Übersetzung von Malerei in Zeichnung) oder des Formats (normiert statt individuell) betreffen. In der endgültigen Version ist die Zahl der Blätter auf insgesamt neun gewachsen und mit DIN A0 ein fünftes Format hinzugekommen. Das Labyrinth, in das Michael Franz die Betrachter führt, wird auch durch einen Videofilm nicht weniger undurchdringlich, der ein lässig-ironisches Licht auf die Banalität des Kunstbetriebs wirft.

Zur Ausstellung:
Die Sängerin und Schauspielerin Nico (als Christa Päffgen geboren am 16. Oktober 1938 in Köln, am 18. Juli 1988 gestorben auf Ibiza) war das erste deutsche Supermodel, sie wirkte mit in Federico Fellinis Meisterwerk La Dolce Vita und war Teil von Andy Warhols Factory.

Mit ihrem dunklen Timbre prägte Nico Songs wie Femme Fatale und All Tomorrow’s Parties auf dem legendären Debütalbum von Velvet Underground. Ihr Solodebüt Chelsea Girl (1967) betört bis heute, zwischen 1968 und 1974 veröffentlichte sie mit The Marble Index, Desertshore und The End ... eine Platten-Trilogie zwischen Schall und Wahn, Suizidalität und Sucht. Drei verstörende Alben, die nur von wenigen gehört wurden, aber umso länger nachhallten – »Meisterwerke des forcierten Lebensüberdrusses« nannte sie Diedrich Diederichsen.

Nico ist Pop und zugleich war ihr das »Populär-sein« immer egal. Leben und Werk sind geprägt von einem selbstzerstörerischen Lebensstil und einer radikalen künstlerischen Praxis ohne Rücksicht auf jeweils angesagte Zeitströmungen und kommerziellen Erfolg. Damit nahm Nico in der Subkultur der 1960er-, 1970er- und 1980er-Jahre eine Schlüsselrolle ein und ist für viele Künstlerinnen und Künstler bis heute ein wichtiger Bezugspunkt.

Als Hommage an diese außergewöhnliche Künstlerin hat das Institut für moderne Kunst rund 30 Künstlerinnen und Künstler eingeladen, sich mit dem Phänomen Nico auseinanderzusetzen. Ergänzend dazu werden in der Ausstellung auch biografische Zeitdokumente zu Nico aus Privatsammlungen gezeigt.

Zum Ende der Ausstellung erscheint die Publikation NICO – Wie kann die Luft so schwer sein an einem Tag an dem der Himmel so blau ist mit vielen erstmals auf deutsch veröffentlichten Nico-Interviews, raren Fotografien, wichtigen Platten- und Konzertreviews, Interviews mit Wegbegleiter*innen und Zeitzeug*innen sowie zahlreichen Beiträgen zeitgenössischer Künstler*innen, Musiker*innen und Autor*innen.

Spinnerei archiv massiv
Das Spinnerei archiv massiv wurde von Bertram Schultze am 21. Juni 2004 im ältesten Spinnereigebäude als spinnereieigener Ausstellungsraum gegründet. Im Jahre 2007 hat sich es sich räumlich vergrößert und übernahm zusätzlich die Aufgabe eines Besucherzentrums für das steigende öffentliche Interesse an der Spinnerei und vermittelt mit einer Dauerausstellung historische Einblicke in über 125 Jahre Spinnereigeschichte. Mit den «bildarchiven», einer kontinuierlichen Ausstellungsserie, begann außerdem die künstlerisch fotografische Dokumentation des stetigen Wandels der Spinnerei. Seit 2008 fungiert das archiv massiv zudem als Plattform für Produkte aus den Werkstätten der Spinnerei.

Sebastian Kuhn (*1977) fertigt Plastiken aus unterschiedlichen Werkstoffen und fügt ihnen meist Alltagsgegenstände bei. Aus diesen Materialkollisionen entstehen Wandreliefs, Bodenarbeiten, schwebend-allansichtige Kompositionen oder auch raumgreifende Installationen. Seiner Ausstellung im Museum Lothar Fischer gibt Kuhn den Titel fray und bemerkt "er ist kurz, prägnant und vieldeutig". Studiert hat Sebastian Kuhn bei den Professoren Claus Bury und Tim Scott an der Akademie der Bildenden Künste Nürnberg. Wesentliche Anregungen holte er sich während eines Arbeitsaufenthalts in Santiago de Chile und Hiroshima sowie seinem Masterstudium am Wimbledon College of Arts in London. Der vielfach mit Preisen ausgezeichnete Künstler lebt heute in Nürnberg. Die Oechsner Galerie vertritt Sebastian Kuhn seit 2008 und zeigte ihn in mehreren Einzel- und Gruppenausstellungen.

5. BIENNALE DER ZEICHNUNG

Bernsteinzimmer Nürnberg
MARIA BUSSMANN
PETER ENGEL
WOLF SAKOWSKI

Galeriehaus Nord Nürnberg
RENATA JAWORSKA

kunst galerie fürth
MARCEL VAN EEDEN

Kunstmuseum Erlangen
BIRGIT BELLMANN
URSULA KREUTZ
ANDREAS OEHLERT

Kunstverein Erlangen
KAI KLAHRE

Kunstverein Zirndorf
DORIS ERBACHER

Städtische Galerie Schwabach
Peter König

vom 13. Januar bis 10. Februar 2019
Eröffnungen aller Ausstellungen: Sonntag, 13.01.2019, 11 - 17 Uhr
Öffnungszeiten: Mi., Fr., Sa. 11 – 15 Uhr, Do. 11 – 19 Uhr, So. 11 – 16 Uhr

Mit der Ausstellung „Faszination Japan!“ öffnet sich die Kunstvilla ab 25. Oktober 2019 dem Thema des kulturellen Austauschs mit dem ostasiatischen Inselstaat und stellt die Kunst in und aus Nürnberg in eine globale Perspektive. „Faszination Japan!“ zeigt rund 50 Werke von zwölf zeitgenössischen Künstlerinnen und Künstlern. Ergänzt wird die Präsentation um ausgewählte Werke von Sammlungskünstlerinnen und -künstlern. Die Ausstellung schlägt damit den Bogen vom motivischen Japonismus der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts bis zur facettenreichen Gegenwartskunst.

Seit der Öffnung Japans Mitte des 19. Jahrhunderts stellt der Japonismus ein durchgängiges Phänomen der europäischen Kunst dar. Künstlerinnen und Künstler zeigen sich fasziniert von der japanischen Ästhetik, deren Rezeption von Motivübernahmen bis zu Neuinterpretationen reicht und sich in allen Gattungen nachvollziehen lässt. Die Ausstellung wird ab Herbst 2018 dem Einfluss der japanischen Kultur und Ästhetik auf die aktuelle Kunst in und aus Nürnberg nachspüren und zeigt u.a. Werke von Christian Faul, Hubertus Hess, Udo Kaller, Margarete Schrüfer; Bernd Klötzer und Benjamin Zuber. Ihre Werke stellen die in Nürnberg entstehende Kunst in eine globale Perspektive und verhandeln den kulturellen Transfer zwischen Ost und West auf teils verblüffende Weise.

Es ist ein Experiment. Vielleicht auch andeutungsweise eine Standortbestimmung. Aus den Gattungen allein scheint heute keine Legitimation künstlerischen Handelns mehr ableitbar zu sein, Kunst wartet weniger denn je mit Gewissheiten auf. Bilder zu produzieren ist in Zeiten medialer Bilderflut keine Selbstverständlichkeit mehr.
Vielleicht verschiebt sich auch deshalb bei manchen Künstlern der Akzent auf den Prozess, der dem fertigen Bild ablesbar bleibt; ein Prozess zwischen Artikulation und Verstummen, der Gestik, Expressivität und dynamische Strukturen nicht ausschließt.
Für Gegensätze dieser Art haben die Sammler Herbert und Traudl Martin ein feines Gespür entwickelt. Aus ihrer Sammlung stammen die präsentierten Werke, u. a. von Ingrid Calame (geb. 1965), Marieta Chirulescu (geb. 1974), Svenja Deininger (geb. 1974) und Susanne Roth (geb. 1973), die an der Zukunft des Bildes keinen Zweifel lassen.

Der vielfach ausgezeichnete Fotograf und Künstler Olaf Unverzart (geb. 1972) konzentriert sich in einer absolut eigenen Bildsprache auf Motive fernab der typischen Sujets. Über einen Zeitraum von Jahren entstanden - und entstehen - Bilder aus den unterschiedlichen Bergregionen aller Alpenländer. Annette Oechsner begleitet mit Ihrer Galeriearbeit Olaf Unverzart und dessen künstlerische Langzeitprojekte seit Gründung im Jahr 2006. Eine Auswahl dieser Werke gibt es bis zum 16. 6. 2016 in der Galerie zu sehen.

In einem handwerklich einmaligen Prozess führt Thilo Westermann den Betrachter in ein Verwirrspiel aus Realität, Ideal und Illusion. Was sich vordergründig als dekoratives Stillleben verkleidet, ist eine durchreflektierte Sicht und Umsetzung der Idee des Unikats und des Versuchs, die Komplexität von kultureller Identität abzubilden. Jeder Arbeitsschritt, buchstäblich jeder Punkt ist von fast manisch-akkurater Perfektion – um im nächsten Zug genau diese subtil zu unterlaufen und den individuell-künstlerischen Duktus sichtbar zu machen. Westermanns Verschichtung von Hinterglasmalerei und Fotographie ist ein Ereignis, das die Vorstellung von Ästhetik auf höchstem künstlerischen Niveau transzendiert. Thilo Westermann, 1980 in Weiden geboren, wurde 2007 an der Akademie der Künste in Nürnberg zum Meisterschüler ernannt. 2017 war er Träger des Stipendiums des Trustee Programms EHF 2010 der Konrad Adenauer Stiftung. Seine Ausbildung führte ihn u.a. nach Shanghai, Singapur und New York. Der Künstler stellt national und international aus, ist in mehreren öffentlichen Sammlungen vertreten, lebt und arbeitet in Berlin und Nürnberg.
Hans-Jörg Clement, Kurator der Ausstellung

Der Bildhauer Sebastian Kuhn (*1977 ) entwickelt seine Kompositionen aus einer Fülle unterschiedlichster Materialien unserer alltäglichen „Dingwelt“ und lädt dabei die Lebensrealität mit physikalischer und poetischer Dynamik auf. Im Kunstverein Pforzheim zeigt der in Nürnberg arbeitende Künstler Wand- und Bodenobjekte sowie seine neue, nahezu raumfüllende Installation „Leave Alone the Empty Spaces“. Körperliche Wahrnehmung und räumliche Erfahrung gehören zu den zentralen Themen seiner bildhauerischen Auseinandersetzung,für die der vielfach ausgezeichnete Künstler bei seinen Professoren Claus Bury und Tim Scott, aber auch bei Arbeitsaufenthalten in Santiago de Chile und Hiroshima und seinem Masterstudium am Wimbledon College of Arts in London wichtige Anregungen fand. Die Werke von Sebastian Kuhn befinden sich u.a. in den Sammlungen der Kunsthalle Mannheim, des Neuen Museums Nürnberg und in weiteren internationalen Sammlungen.

Das Kunsthaus Nürnberg präsentiert Zeichnungen, Gemälde und Installationen von Jan Bräumer (*1970 in Darmstadt) und Sebastian Tröger (*1986 in Erlangen). Die beiden Künstler nutzen in ihren Werken einen spezifischen Humor, um das Leben, die Kunst(geschichte) und die Bedingtheiten der menschlichen Existenz zu kommentieren. Auch die pointierten Werktitel, die den Bildwitz zwar nicht erklären, aber dennoch die Gedanken des Betrachters lenken, dienen als Wink, Pointe und Rätsel zugleich. Bereits ein zweiter Blick auf die Arbeiten zeigt, dass die Angelegenheit komplizierter ist. Der Humor von Jan Bäumer und Sebastian Tröger erscheint spontan und spielerisch und ist zugleich klug und kenntnisreich geplant. Er ist augenzwinkernd und zugleich sehr ernsthaft. Denn die Kunst, so hat es Kurt Schwitters einmal formuliert, ist ein „Spiel mit ernsten Problemen“.

Mit Michael Schrattenthaler präsentiert die Städtische Galerie Cordonhaus Cham einen Bildhauer, der sich im Landkreis Cham, genauer gesagt in Kritzenast bei Waldmünchen, nicht nur Lebens- und Arbeitsraum, sondern auch Freiraum geschaffen hat. Hier genießt er die Arbeitsatmosphäre, die Ruhe, den weitläufigen Raum der Landschaft und die Zweckmäßigkeit der direkten Verbindung von Haus und Atelier. Ganz bewusst wählte der 1971 in Kufstein/Tirol geborene Künstler diesen Ort als Lebens- und Arbeitsmittelpunkt, nachdem München jahrelang den privaten Raum bestimmte.

Michael Schrattenthaler gewährt unter dem Titel "GESTERNHEUTEMORGEN" in einer umfangreichen Einzelausstellung Einblick in sein vielfältiges Schaffen. Im Cordonhaus bezieht er den Besucher in einer raumgreifenden Installation direkt mit ein, indem er einen kompletten Ausstellungsraum der Galerie in seiner Raumwirkung und Erfahrbarkeit verändert. Räume spielen bei Schrattenthaler in jeder Hinsicht eine bedeutende Rolle und werden über unterschiedlichen Verfahren hinterfragt, gebaut, verändert, analysiert und in Beziehung zueinander gesetzt.  Der Titel der Ausstellung steht demnach auch symbolhaft für die Arbeitsweise des Künstlers, indem sich gewohnte Blickwinkel mit neuen Erfahrungen schmücken und Altbekanntes durch Reduktion auf das Wesentliche systematisch neu transformiert wird.

Michael Schrattenthaler besuchte nach einer Ausbildung zum Holz- und Steinbildhauer die Meisterklasse für Bildhauerei in Graz. Er studiert freie Bildhauerei bei Prof. Olaf Metzel an der Akademie der Bildenden Künste in München (Meisterschüler), 2000 schließt er sein Studium mit dem Diplom ab.

Preise und Stipendien: 2000 Debütantenpreis, 2001 Atelierförderstipendium der Stadt München, 2003 Projektstipendium der Stadt München, 2006 Bayerischer Kunstförderpreis, 2007 Förderpreis Bildende Kunst der Landeshauptstadt München, 2008 Arbeitsstipendium, Stiftung Kunstfonds Bonn, 2010 Förderpreis der RLB Tirol, Innsbruck, 2011 USA Stipendium des Bayerischen Staatsministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kunst

Eine Einzelausstellung der Bildhauerin Gisela Kleinlein präsentiert der projektraum in der alten feuerwache Berlin-Friedrichshain vom 24. März bis zum 6. Mai. Unter dem Titel DIESUNDANDERS zeigt die Schau eine speziell auf den Ort hin entworfene plastische Inszenierung, in der die Werke untereinander und mit dem Raum in Beziehung treten.
 
Ob es 1000 Maschen sind? 100.000? Oder eher eine Million? Denn das gehäkelte Geflecht ist lang. Sehr lang. In drei Metern Höhe hängen zwei Basketballkörbe dicht nebeneinander an der Wand. Von dem einen nimmt das Maschengebilde seinen Anfang; ein scheinbar unendlich langes Fangnetz, das weit durch den Raum mäandert und schließlich wieder emporsteigt, um zum anderen Korbrand zu gelangen. Zwei Basketballkörbe – untrennbar verbunden durch ein gemeinsames Netz, ein sorgsam gehäkeltes, meterlanges Gebilde. Zum Basketballspielen allerdings taugt es nicht. Genauso wenig wie die diversen kleinen an Fahrzeuge erinnernden Bodenobjekte Fahrt aufnehmen könnten. Tatsächlich lässt sich keines der Gebilde fortbewegen – trotz Rädern und potenzieller Mobilität. 
 
Hier werden Fährten ausgelegt, die nicht begehbar sind.
 
Absurde Situationen und sich ihrer Funktion verweigernde Objekte gehören zu den zentralen Themen der Bildhauerin Gisela Kleinlein. Ihr Werk zeugt von einem grundlegenden Interesse an Dingen des Alltags und ihrer Materialität. So erinnern Kleinleins Skulpturen nicht nur an alltägliche Gegenstände und Fundstücke aller Art, oftmals sind sie gar aus solchen oder deren Versatzstücken konstruiert.  Kleinlein verfügt über eine breite Materialpalette. Sie arbeitet virtuos mit Holz, Stahl, Kunststoff, Folien, Gips, Papier, vielem anderen oder auch mit der selbst geschnitzten Häkelnadel.  Was die Künstlerin zerlegt, wird anders zusammengesetzt und neu kombiniert. Es wird deplatziert, umgedeutet und umgewidmet. So entstehen neue Konstellationen und damit eine Verschiebung ins Surreale. Was nun aufscheint, ist eine rätselhaft poetische Dingwelt. Begleitet von einer guten Dosis Humor und einem Augenzwinkern, ermöglichen diese Arbeiten einzutauchen in eine ganz eigene Atmosphäre der Erfindungen.
 
In der Friedrichshainer Ausstellung werden die plastischen Werke erstmals ergänzt durch eine dicht gehängte Wand mit Fotoskizzen, Postkarten und dokumentarischen Darstellungen, die Einblick gewähren in einen über Jahrzehnte gebildeten Fundus formaler und gedanklicher Quellen und Hintergründe.
Eine Ausstellung in der Reihe von mir aus, die Künstlerinnen aus Friedrichshain-Kreuzberg präsentiert.
 
Gisela Kleinlein
*1955 in Nürnberg, lebt und arbeitet in Berlin, Studium an der Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg und an der Kunstakademie Düsseldorf.
Zahlreiche Preise und Stipendien (Villa Romana-Preis, Kunstfonds Bonn u.a.). Ihre Arbeiten sind in vielen Sammlungen vertreten und in Ausstellungen im In- und Ausland zu sehen.